Juliette Fortier, Franscesca Talamini, Massimo Grassi, Simone Dalla Bella & The Music Ensemble Group
Université de Montréal
BRAMS

Music training is often associated with brain plasticity and improvement in cognitive functions. Meta-analyses report an advantage in working memory (retention of a small amount of information) with years of musical training. This effect remains to be verified in a large sample of participants. The objective of the “Music Ensemble project” was to test differences in working memory and cognition in a large sample of musicians by capitalizing on a shared community of 35 research units. In total, 600 musicians having more than 10 years of musical training were compared with 600 non-musicians matched for sex, age, and education. Here we tested whether formal musical training (years) and daily practice time (hours) are linked with better working memory in musicians. First, we observed that musicians outperformed non-musicians mostly for melodic memory (vs. visuospatial, verbal). When focussing on musicians’ performance, we found weak but significant positive correlations with melodic memory for both daily practice time (hours) and musical training (years). We found no significant correlations for visuospatial and verbal working memory. Overall, the results suggest that the amount of musical training and practice has effects on working memory that are music-specific, but which may not transfer to other domains (visuospatial, verbal). La formation musicale est souvent associée à la plasticité cérébrale et à des bénéfices pour les fonctions cognitives. Des méta-analyses rapportent un avantage dans la mémoire de travail (rétention de petites quantités d’information) avec les années de formation musicale. Cet effet demeure à vérifier dans un grand échantillon de participants. L’objectif du ‘’Projet Music Ensemble’’, basé sur une communauté partagée de 35 unités de recherche, est de tester les différences au niveau de la mémoire de travail et la cognition dans un grand échantillon de musiciens. Au total, 600 musiciens ayant plus de 10 ans de formation musicale ont été comparés avec 600 non-musiciens pairés sur la base de leur genre, leur âge et leur éducation. Ici, nous avons testé si la formation musicale formelle (années) et le temps de pratique par jour (heures) sont liés à une meilleure mémoire de travail chez les musiciens. Premièrement, nous observons que les musiciens sont plus performants que les non musiciens, principalement pour la mémoire mélodique (vs visuospatiale, verbale). De plus, lorsque nous nous concentrons sur la performance des musiciens, nous trouvons des corrélations positives faibles mais significatives avec la mémoire mélodique, présentes à la fois pour le temps de pratique (heures) et la formation musicale (années). Nous n’avons pas identifié de corrélations significatives pour la mémoire visuospatiale et verbale. En somme, les résultats suggèrent que la formation et pratique musicale ont des effets sur la mémoire de travail qui sont spécifiques à la musique, mais qui pourraient ne pas se transférer aux autres types de mémoire (visuospatiale, verbale).

Alberto Acquilino, Champ Darabundit
McGill University
CIRMMT

This project extends prior research on the relationship between trumpet timbre quality and efficiency of sound production by analyzing its acoustic and psychoacoustic dimensions. A previously compiled dataset, featuring expert-labeled trumpet sounds, serves as the basis for identifying the most salient audio features using digital signal processing techniques.
    We employ methods such as principal component analysis, linear partial least squares regression, or artificial neural networks to assess the statistical significance of spectral, temporal, and spectro-temporal descriptors in characterizing sound production efficiency. The findings help delineate (psycho)acoustic dimensional spaces relevant to musical performance and pedagogy.
    Beyond trumpet, the study explores the applicability of these methods to other wind instruments and the singing voice. By isolating key acoustic properties, the project aims to develop a pedagogical tool that provides real-time feedback to students, enhancing learning and performance evaluation. Ce projet prolonge des recherches antérieures sur la relation entre la qualité du timbre de la trompette et l’efficacité de la production sonore en analysant ses dimensions acoustiques et psychoacoustiques. Un ensemble de données précédemment constitué, comprenant des sons de trompette annotés par des expert·e·s, sert de base pour identifier les caractéristiques audio les plus pertinentes à l’aide de techniques de traitement du signal numérique.
    Nous employons des méthodes telles que l’analyse en composantes principales, la régression linéaire par moindres carrés partiels ou les réseaux de neurones artificiels afin d’évaluer la signification statistique des descripteurs spectraux, temporels et spectro-temporels dans la caractérisation de l’efficacité de la production sonore. Les résultats permettent de définir des espaces dimensionnels (psycho)acoustiques pertinents pour la performance musicale et la pédagogie.
    Au-delà de la trompette, cette étude explore l’applicabilité de ces méthodes à d’autres instruments à vent ainsi qu’à la voix chantée. En isolant les propriétés acoustiques clés, le projet vise à développer un outil pédagogique fournissant une rétroaction en temps réel aux étudiant·e·s, améliorant ainsi leur apprentissage et leur évaluation de la performance.

Greg Bruce
McGill University
CIRMMT

This poster details my ongoing research in feedback saxophone: a novel system of my own design that minimally augments the tenor saxophone to enable the creation of dynamic, tunable, and repeatable Larsen tones. Without compromising its conventional sound, this system transforms the saxophone into an amplified resonance chamber that is manipulated using the instrument’s own keys.

This research aims to answer several questions:

1. Can an analogue feedback system be successfully reconstructed using digital components?
2. How to augment the saxophone to manipulate acoustic feedback, considering both affordability and expressivity?
3. How to best develop an idiomatic musical language for this augmented instrument?

To answer these questions, this research is being carried out in four phases: digital reconstruction; development of idiomatic musical gestures through improvisation; collaboration with composers to create new works from these gestures; perform and record the new pieces.
    The digital reconstruction is progressing steadily, as I now have a self-contained, affordable, and non-invasive prototype “kit” with which saxophones may be augmented. Using this kit, I am developing musical grammar for the system through improvisation – a process at the centre of the proposed performance. Cette affiche détaille mes recherches en cours sur le « feedback saxophone » : un nouveau système de ma propre conception qui augmente de manière minimale le saxophone ténor pour permettre la création de tons Larsen dynamiques, accordables et répétables. Sans compromettre sa sonorité conventionnelle, ce système transforme le saxophone en une chambre de résonance amplifiée qui est manipulée à l'aide des propres clés de l'instrument.

Cette recherche vise à répondre à plusieurs questions :

1. Un système de rétroaction analogique peut-il être reconstruit avec les composants numériques ?
2. Comment augmenter le saxophone pour manipuler le retour acoustique, en tenant compte à la fois de l'accessibilité et de l'expressivité ?
3. Comment développer au mieux un langage musical idiomatique pour cet instrument augmenté ?

Pour répondre à ces questions, cette recherche est menée en quatre phases : reconstruction numérique ; développement de gestes musicaux idiomatiques par l’improvisation ; collaboration avec des compositeurs pour créer de nouvelles œuvres à partir de ces gestes ; interprétation et enregistrement des nouvelles pièces.
    La reconstruction numérique progresse à un rythme soutenu, et je dispose désormais d’un prototype de « kit » autonome, abordable et non invasif avec lequel les saxophones peuvent être augmentés. À l’aide de ce kit, je développe la grammaire musicale du système par l’improvisation – un processus qui est au cœur de la performance proposée.

Noa Kemp
McGill University
CIRMMT

One of the major challenges to the auditory system is tracking moving sound sources to predict future paths (e.g., an approaching car). Previous psychoacoustic research has shown that listeners lose the sense of direction of circular motion at velocities up to ~ 2.5 rotations per second with white noise, due to degraded front/back discrimination.
    In this study, we hypothesized that the spatial position (0º vs 90º) of a white noise static distractor would interfere with front/back localization of a revolving target. While the presence of the distractor significantly reduces the upper limit, it is unrelated to its spatial position. This may be due to energetic masking in the spectral regions relevant for front/back localization. To test this, we compare performance under conditions in which the target has a spectral gap in a non-relevant frequency range: no distractor (control), static distractor at 0º band-passed to fit in the in target gap, a relevant range or a non-relevant range. We predict that the distractor in the relevant range will lead to a significant performance decrease, as opposed to the other conditions. This experience opens avenues of research on other cognitive processes at play, and leading to a multiple object tracking task in hearing. L'un des défis du système auditif est de suivre les sources sonores en mouvement afin de prédire leurs trajectoires (ex. une voiture qui s'approche). Des études psychoacoustiques ont démontré qu’au-delà de ~2,5 rotations par seconde, on ne perçoit plus la direction du mouvement circulaire avec du bruit blanc (l’upper limit), car la discrimination avant/arrière est limitée.
    Dans cette étude, nous supposions que la position spatiale d'un bruit blanc statique (distracteur) interférerait avec la localisation avant/arrière d'une source dynamique circulaire (cible). Nos résultats révèlent que la présence du distracteur réduit significativement l’upper limit, sans dépendre de sa position. Nous supposons que c’est à cause d’un masquage énergétique dans les fréquences pertinentes pour la discrimination avant/arrière. Nous comparons donc plusieurs conditions, où la cible est un bruit blanc avec un trou spectral de fréquences non pertinentes à la discrimination avant/arrière: aucun distracteur (témoin), distracteur statique à 0º passe bande dans le trou de la cible, passe bande d’une zone pertinente, ou bien d’une zone non pertinente. On prédit que le distracteur passe bande d’une zone pertinente entraînera une baisse de performances, contrairement aux autres conditions. Cette expérience éclairera d'autres processus cognitifs en jeu, et pourrait mener à une tâche de suivi d'objets multiples dans l'audition.

Ziyue Piao
McGill University
CIRMMT

Kinesthetic mismatches, which means discrepancies between perceived and actual body movements, pose a major challenge in music learning and may lead to inefficient habits or injury. Traditional methods like physical touch and metaphors rely on subjective perception and fail to address these subtle errors consistently. The PhD research explores how wearable haptic devices can bridge these mismatches by providing objective, real-time feedback in both music practice. Through focus groups, masterclasses, and pilot studies, we identify common kinesthetic barriers such as muscle relaxation and posture. We then develop and evaluate portable sensing and feedback systems, including EMG-based and IMU-based wearables, to support technique improvement and body awareness. The work further integrates adaptive haptic feedback using reinforcement learning to enable proactive, personalized support during practice. Our findings demonstrate that wearable haptic technology can enhance kinesthetic awareness, facilitate more effective motor learning, and offer new pathways for teaching and self-regulation. Les décalages kinesthésiques, c’est-à-dire les écarts entre la perception et les mouvements réels du corps, représentent un défi majeur dans l’apprentissage musical et peuvent conduire à de mauvaises habitudes ou à des blessures. Les méthodes traditionnelles, comme le toucher physique ou les métaphores, reposent sur la perception subjective et ne corrigent pas toujours ces erreurs subtiles. Cette recherche doctorale explore comment les dispositifs haptiques portables peuvent combler ces décalages en fournissant un retour objectif et en temps réel lors de la pratique musicale. À travers des groupes de discussion, des masterclasses et des études pilotes, nous identifions des obstacles kinesthésiques fréquents tels que la relaxation musculaire et la posture. Nous développons ensuite et évaluons des systèmes portables de détection et de feedback, notamment des dispositifs basés sur l’EMG et l’IMU, pour soutenir l’amélioration technique et la conscience corporelle. Ce travail intègre également un feedback haptique adaptatif utilisant l’apprentissage par renforcement, afin d’offrir un accompagnement proactif et personnalisé pendant la pratique. Nos résultats montrent que la technologie haptique portable peut améliorer la conscience kinesthésique, faciliter un apprentissage moteur plus efficace, et ouvrir de nouvelles voies pour l’enseignement et l’autorégulation, avec des applications au-delà de la musique.

Sandro Guédy
Université de Montréal
OICRM

The compositional drafts of Olivier Messiaen archived at the Bibliothèque nationale de France represent extensive repositories of musical and extra-musical references. Among numerous transcriptions from various works in the repertoire, references to Béla Bartók are so abundant that the Hungarian composer appears to exert significant influence on Messiaen's creative mind. However, this prominence contrasts with the comparatively modest role Bartók occupies in Messiaen's public discourse. What position, then, does Bartók truly hold within Messiaen’s creative universe? Balmer et al. (2017) distinguish several "distorting prisms" through which Messiaen appropriates borrowed materials. In this poster, I will evaluate the applicability of these prisms to instances of Bartók references found in archival documents. For example, the "Cahier rouge" (ca. 1943) includes extensive preparatory materials for Visions de l’Amen (1943), as well as references to Bartók’s Music for Strings, Percussion, and Celesta (1936). Despite critical disagreements within the French musical avant-garde regarding Bartók’s output (e.g., Leibowitz 1947), the significance and complexity of his modal language during the 1930s positioned him as a key reference for Messiaen. Les brouillons de composition d’Olivier Messiaen archivés à la Bibliothèque nationale de France constituent de vastes répertoires de références musicales et extra-musicales. Parmi d’abondantes transcriptions à diverses œuvres du répertoire, les renvois à Béla Bartók sont si nombreux que ce dernier semble exercer une influence majeure sur l’esprit créatif de Messiaen. Toutefois, cette présence contraste avec la place, plus modeste, que ce dernier accorde à Bartók dans son discours public. Quelle place ce dernier occupe-t-il dans l’univers créatif de Messiaen ? Balmer, et al. 2017 distinguent différents prismes déformants par lesquels Messiaen s’approprie ses emprunts. Pour ce poster, j’examinerai l’adéquation de ces prismes sur les occurrences de Bartók révélées par les documents d’archive. À titre d’exemple, le « Cahier rouge » (ca 1943) comporte de nombreux travaux préparatoires pour les Visions de l’Amen (1943), mais aussi des références à la Musique pour cordes, percussion et célesta (1936). Nous observerons qu’en dépit des discordes relayées par l’avant-garde musicale française sur la production de Bartók (par exemple, Leibowitz 1947), l’importance et la complexité que prend son langage modal dans les années 1930 prédispose le compositeur hongrois à devenir une référence pour Messiaen.

Émilie Lesage
Université de Montréal
OICRM

The 2014 Survey of Cultural Practices in Quebec reveals that 91% of Quebecers aged 15 to 24 listen to music daily and that 50% of them watch a movie at least once a week (Magnan, 2018). These statistics highlight the importance of these cultural practices and their potential to influence social identity. Research on identity in relation to cultural practices reveals that musical taste allows one to identify with a social group and differentiate oneself from other groups (Aubert, 2007) and that music evokes memories that help consolidate one’s sense of identity (DeNora, 2000). Along these lines, what are the identity-related uses of film music among young adults in Quebec? The poster will illustrate the interaction between practices associated with film music and their identity uses, based on information gathered from 14 interviews with Quebec adults. I followed the methodological principles of the life story proposed by Burrick (2008). The survey focused on musical practices, musical tastes and memories evoked by film music. These factors allow us to understand film music on a daily basis, then its impact on the long-term construction of identity. L’Enquête sur les pratiques culturelles au Québec de 2014 révèle que 91% des Québécois.es de 15 à 24 ans écoutent de la musique quotidiennement et que 50 % d’entre eux écoutent un film au moins une fois par semaine (Magnan, 2018). Ces statistiques soulignent l’importance de ces pratiques culturelles et leur potentiel d’influence sur l’identité sociale. Les recherches sur l’identité en lien avec les pratiques culturelles révèlent que le goût musical permet de s’identifier à un groupe social et de se différencier d’autres groupes (Aubert, 2007) et que la musique est évocatrice de souvenirs qui permettent de consolider le sens identitaire (DeNora, 2000). Dans cet ordre d’idées, quels sont les usages identitaires de la musique de film chez les jeunes adultes québécois? L’affiche permettra d’imager l’interaction entre les pratiques associées à la musique de films et leurs usages identitaires, selon les informations recueillies de 14 entretiens avec des adultes québécois. J’ai suivi les principes méthodologiques du récit de vie proposé par Burrick (2008). L’enquête a porté sur les pratiques musicales, les goûts musicaux et les souvenirs évoqués par la musique de film. Ces facteurs permettent d’appréhender la musique de film au quotidien, puis son impact sur le long terme.

Rawand Shamseddine
Université de Montréal
OICRM

This study examines the dispositifs of music mediation workshops within the Culture à l'école program, which aims to foster students' cultural engagement through collaborations with artists and organizations. It explores how music mediation is presented in elementary school workshops in Montreal: what certain dispositifs are highlighted and what is the role of inclusion? The research combines a quantitative analysis of 102 workshops listed in the Culture-Éducation database and a qualitative analysis of selected workshops. Based on the website descriptions, we examine: 1) the forms of musical practice; 2) the five types of participation dened by Casemajor, Lamoureux, and Racine. Inclusion is examined from two perspectives: the accessibility of workshops to EHDAA (Students with Handicaps, Adaptation Needs, or Learning Di‑culties) and the representation of artists by gender. The analysis reveals that the workshops generally promote active and diverse student participation. However, nearly half of the workshops are not accessible to EHDAA students. While music mediation is a predominantly female eld, the results indicate an almost equal distribution of male and female artists. Does this under-representation reflect a selection process that favors men? If music mediation has been shown to enhance self-esteem, cultural openness, and academic achievement, why are EHDAA students included in only half of the workshops? Cette étude analyse les dispositifs d'ateliers de médiation de la musique dans le cadre du programme Culture à l'école, conçu pour renforcer l'engagement culturel des élèves grâce à la collaboration avec artistes et organismes. Elle s'interroge sur la manière dont la médiation musicale est présentée au primaire à Montréal : quels dispositifs sont mis en avant ? Quelle est la place de l'inclusion ? Nous proposons une analyse quantitative de 102 ateliers répertoriés dans CultureÉducation et une analyse qualitative de certains. À partir des descriptions sur le site, nous examinons : 1) les formes de pratique musicale ; 2) les cinq types de participation définis par Casemajor, Lamoureux et Racine. L'inclusion est abordée sous deux angles : l'accessibilité aux EHDAA (Élèves Handicapés ou en Di‑culté d'Adaptation ou d'Apprentissage) et la répartition des artistes selon le genre. Notre analyse révèle une participation active et variée. Cependant, près de la moitié des ateliers sont proposés aux EHDAA. Bien que la médiation soit un domaine majoritairement féminin, les résultats révèlent une répartition presque équitable entre artistes hommes et femmes. Cette sous-représentation résulte-t-elle d'un processus de sélection favorisant les hommes ? Si la médiation améliore estime de soi, ouverture culturelle et réussites scolaires, pourquoi les EHDAA sont-ils inclus dans seulement la moitié des ateliers ?