Oral presentations
Présentations orales
La réception française de la nouvelle musique italienne (1900–1920) : étude de cas sur un changement du discours critique concernant le style national
The French Reception of New Italian Music (1900–1920): A Case Study of a Shift in Critical Discourse on National Style
Diana Aimée López Bocanegra
Université de Montréal
OICRM
This paper explores a shift in the foreign reception of Italian music in France from 1900 to 1920. Beyond the long-standing operatic tradition, critics began to embrace a modern Italian style that rejected bel canto, favored instrumental music, and aligned with the innovations of French, Russian, and other European schools. This change is examined through French press discussions of two emerging Italian composers, Gian Francesco Malipiero and Alfredo Casella. Was this shift a response to musical developments, such as increased recognition of lesser-known national traditions? Or did it stem from an intellectual desire for systematization in musicology? This study investigates both possibilities. Using quantitative and qualitative methods, the research aims to understand how Italian music was received in Paris, analyzing not only the number of performances and the political, social, and cultural context. Press reviews reveal recurring themes: the diminished role of opera, the rejection of bel canto, and the influence of avant-garde trends alongside strong French nationalism. Malipiero and Casella's contrasting experiences illustrate their individual trajectories and broader tensions surrounding the reception of modern Italian music in France, shedding light on the complex relationship between national identity, aesthetics, and the evolving musical landscape of the early twentieth century. Cette étude examine le changement dans la réception de la musique italienne en France entre 1900 et 1920. Au-delà de la tradition opératique bien établie, les critiques adoptent progressivement un style italien moderne rejetant le bel canto, privilégiant la musique instrumentale et s'alignant sur les innovations des écoles française, russe et autres courants européens. Ce changement est analysé à travers les discussions de la presse française sur deux jeunes compositeurs italiens, Gian Francesco Malipiero et Alfredo Casella. Répondait-il à une reconnaissance croissante de traditions nationales moins connues, ou résultait-il d'un désir intellectuel de systématisation en musicologie ? Cette recherche explore ces deux pistes. En combinant des méthodes d’analyse quantitatives et qualitatives, elle vise à comprendre comment la musique italienne fut reçue à Paris, en tenant compte du nombre de représentations et du contexte politique, social et culturel. Les critiques de presse révèlent des thèmes récurrents : le recul de l'opéra, le rejet du bel canto, l'influence des avant-gardes européennes et l'affirmation d'un fort nationalisme français. Les trajectoires contrastées de Malipiero et Casella illustrent ces dynamiques et mettent en lumière la relation complexe entre identité nationale, esthétique musicale et le paysage culturel en mutation du début du XXe siècle.
Université de Montréal
OICRM
This paper explores a shift in the foreign reception of Italian music in France from 1900 to 1920. Beyond the long-standing operatic tradition, critics began to embrace a modern Italian style that rejected bel canto, favored instrumental music, and aligned with the innovations of French, Russian, and other European schools. This change is examined through French press discussions of two emerging Italian composers, Gian Francesco Malipiero and Alfredo Casella. Was this shift a response to musical developments, such as increased recognition of lesser-known national traditions? Or did it stem from an intellectual desire for systematization in musicology? This study investigates both possibilities. Using quantitative and qualitative methods, the research aims to understand how Italian music was received in Paris, analyzing not only the number of performances and the political, social, and cultural context. Press reviews reveal recurring themes: the diminished role of opera, the rejection of bel canto, and the influence of avant-garde trends alongside strong French nationalism. Malipiero and Casella's contrasting experiences illustrate their individual trajectories and broader tensions surrounding the reception of modern Italian music in France, shedding light on the complex relationship between national identity, aesthetics, and the evolving musical landscape of the early twentieth century. Cette étude examine le changement dans la réception de la musique italienne en France entre 1900 et 1920. Au-delà de la tradition opératique bien établie, les critiques adoptent progressivement un style italien moderne rejetant le bel canto, privilégiant la musique instrumentale et s'alignant sur les innovations des écoles française, russe et autres courants européens. Ce changement est analysé à travers les discussions de la presse française sur deux jeunes compositeurs italiens, Gian Francesco Malipiero et Alfredo Casella. Répondait-il à une reconnaissance croissante de traditions nationales moins connues, ou résultait-il d'un désir intellectuel de systématisation en musicologie ? Cette recherche explore ces deux pistes. En combinant des méthodes d’analyse quantitatives et qualitatives, elle vise à comprendre comment la musique italienne fut reçue à Paris, en tenant compte du nombre de représentations et du contexte politique, social et culturel. Les critiques de presse révèlent des thèmes récurrents : le recul de l'opéra, le rejet du bel canto, l'influence des avant-gardes européennes et l'affirmation d'un fort nationalisme français. Les trajectoires contrastées de Malipiero et Casella illustrent ces dynamiques et mettent en lumière la relation complexe entre identité nationale, esthétique musicale et le paysage culturel en mutation du début du XXe siècle.
Créer sur Patreon : le brouillage des frontières entre le métier de musicien et de créateur de contenu
Creating on Patreon: The blurring of the boundaries between musician and content creator
Elsa Fortant
INRS
OICRM
In an ever-changing music industry and an increasingly digitized working environment, musicians need to diversify their sources of income to make a living from their art. Among the options for diversification, the subscription-based crowdfunding model, which appeared in 2013, seems to be gaining in popularity. Unlike traditional crowdfunding, contributors no longer support a project, but subscribe to an artist and pay them a monthly sum. The American Patreon platform, which leads the market, has over 15,000 profiles in the music category. On this type of platform, which is aimed at “creators”, musicians find themselves mixed with content creators, blurring the boundaries between creative professions. How does the work of a creator, such as a musician, differ from or come close to that of a content creator? To answer this question, we conducted 30 semi-structured interviews with creators in Patreon's music category, and analyzed their profiles. First, we will present the digital practices that distinguish these two groups of workers, and then those that bring them closer together. Dans une industrie musicale en perpétuelle évolution et un environnement de travail de plus en plus numérisé, les musicien×nes doivent diversifier leurs sources de revenus pour pouvoir vivre de leur art. Parmi les options de diversification, le modèle du sociofinancement par abonnement, apparu en 2013, semble gagner en popularité. À la différence du sociofinancement ou « financement par la foule » (crowdfunding) traditionnel, les contributeur×rices ne soutiennent plus un projet mais « s’abonnent » à un×e artiste et lui verse mensuellement une somme d’argent. La plateforme américaine Patreon, qui mène le marché, compte plus de 15 000 profils dans la catégorie musique. Sur ce type de plateforme, qui s’adresse aux « créateur×rices », les musicien×nes se retrouvent dans la même catégorie que les créateurs de contenu en musique, brouillant la frontière entre les métiers de la création. Dans ce contexte, comment le travail d’un×e musicien×ne se distingue-t-il ou se rapproche-t-il de celui d’un créateur×rice de contenu ? Pour y répondre, nous avons réalisé 30 entrevues semi-dirigées avec des créateur×rices de la catégorie musique de Patreon et avons analysé leurs profils. Dans un premier temps, nous présenterons les pratiques numériques qui distinguent ces deux groupes de travailleurs, et dans un deuxième temps, celles qui les rapprochent.
INRS
OICRM
In an ever-changing music industry and an increasingly digitized working environment, musicians need to diversify their sources of income to make a living from their art. Among the options for diversification, the subscription-based crowdfunding model, which appeared in 2013, seems to be gaining in popularity. Unlike traditional crowdfunding, contributors no longer support a project, but subscribe to an artist and pay them a monthly sum. The American Patreon platform, which leads the market, has over 15,000 profiles in the music category. On this type of platform, which is aimed at “creators”, musicians find themselves mixed with content creators, blurring the boundaries between creative professions. How does the work of a creator, such as a musician, differ from or come close to that of a content creator? To answer this question, we conducted 30 semi-structured interviews with creators in Patreon's music category, and analyzed their profiles. First, we will present the digital practices that distinguish these two groups of workers, and then those that bring them closer together. Dans une industrie musicale en perpétuelle évolution et un environnement de travail de plus en plus numérisé, les musicien×nes doivent diversifier leurs sources de revenus pour pouvoir vivre de leur art. Parmi les options de diversification, le modèle du sociofinancement par abonnement, apparu en 2013, semble gagner en popularité. À la différence du sociofinancement ou « financement par la foule » (crowdfunding) traditionnel, les contributeur×rices ne soutiennent plus un projet mais « s’abonnent » à un×e artiste et lui verse mensuellement une somme d’argent. La plateforme américaine Patreon, qui mène le marché, compte plus de 15 000 profils dans la catégorie musique. Sur ce type de plateforme, qui s’adresse aux « créateur×rices », les musicien×nes se retrouvent dans la même catégorie que les créateurs de contenu en musique, brouillant la frontière entre les métiers de la création. Dans ce contexte, comment le travail d’un×e musicien×ne se distingue-t-il ou se rapproche-t-il de celui d’un créateur×rice de contenu ? Pour y répondre, nous avons réalisé 30 entrevues semi-dirigées avec des créateur×rices de la catégorie musique de Patreon et avons analysé leurs profils. Dans un premier temps, nous présenterons les pratiques numériques qui distinguent ces deux groupes de travailleurs, et dans un deuxième temps, celles qui les rapprochent.
Caractériser le timbre des instruments du quatuor à cordes : Résultats d’une enquête sur l’usage d’analogies vocales dans les ateliers de lutherie
Characterizing the timbre of string quartet instruments: Results of a survey on the use of vocal analogies in violin workshops
Leïla Barbedette
Université de Montréal
CIRMMT, OICRM
To describe the timbre of their instruments, performers and luthiers use a metaphorical vocabulary that draws on a wide variety of lexical fields with different meanings. Some also use phonemes to imitate a sound: consonant for the attack, vowel for the sustained part. These vocal analogies can reveal the perception of a timbral characteristic associated with these phonemes.
The use of such analogies can be observed in exchanges between craftsmen and instrumentalists in some violin-making workshops. In this paper, I will present the results of a survey of string quartet makers and instrumentalists, aimed at assessing the prevalence and effectiveness of the use of these vocal analogies in their discourse. The survey was carried out by means of an online questionnaire among 30 string quartet luthiers and 30 string quartet instrumentalists.
Analysis of the responses reveals different types of perception and different ways of expressing them, notably by linking certain phonemes to semantic fields used to describe them as well as to describe instrumental sounds. These links, which can be explained by certain acoustic principles, remain tenuous. We will discuss their efficiency and accuracy. Pour décrire le timbre de leurs instruments, interprètes et luthiers utilisent un vocabulaire métaphorique faisant appel à des champs-lexicaux variés relevant de différents sens. Le son peut ainsi être qualifié de rond, rugueux, sombre, ouvert... Certains ont également recours à des phonèmes pour imiter un son : consonne pour l’attaque, voyelle pour sa partie entretenue. Ces analogies vocales peuvent révéler la perception d’une caractéristique timbrale associée à ces phonèmes.
On observe l’usage de telles analogies dans les échanges entre artisans et instrumentistes dans certains ateliers de lutherie. Lors de cette communication, je présenterai les résultats d’une enquête menée auprès de luthiers et instrumentistes du quatuor à cordes visant à évaluer la prévalence et l’efficacité de l’usage, dans leur discours, de ces analogies vocales. Cette enquête a été menée à l’aide d’un questionnaire en ligne auprès de 30 luthiers et 30 instrumentistes du quatuor.
L'analyse des réponses permet d'identifier différents types de perceptions et différentes façons de les exprimer, notamment en rapprochant certains phonèmes de champs sémantiques utilisés pour les décrire aussi bien que pour décrire des sons instrumentaux. Ces liens, qui peuvent s'expliquer par certains principes acoustiques, restent ténus. Nous discuterons de leur efficience et de leur exactitude.
Université de Montréal
CIRMMT, OICRM
To describe the timbre of their instruments, performers and luthiers use a metaphorical vocabulary that draws on a wide variety of lexical fields with different meanings. Some also use phonemes to imitate a sound: consonant for the attack, vowel for the sustained part. These vocal analogies can reveal the perception of a timbral characteristic associated with these phonemes.
The use of such analogies can be observed in exchanges between craftsmen and instrumentalists in some violin-making workshops. In this paper, I will present the results of a survey of string quartet makers and instrumentalists, aimed at assessing the prevalence and effectiveness of the use of these vocal analogies in their discourse. The survey was carried out by means of an online questionnaire among 30 string quartet luthiers and 30 string quartet instrumentalists.
Analysis of the responses reveals different types of perception and different ways of expressing them, notably by linking certain phonemes to semantic fields used to describe them as well as to describe instrumental sounds. These links, which can be explained by certain acoustic principles, remain tenuous. We will discuss their efficiency and accuracy. Pour décrire le timbre de leurs instruments, interprètes et luthiers utilisent un vocabulaire métaphorique faisant appel à des champs-lexicaux variés relevant de différents sens. Le son peut ainsi être qualifié de rond, rugueux, sombre, ouvert... Certains ont également recours à des phonèmes pour imiter un son : consonne pour l’attaque, voyelle pour sa partie entretenue. Ces analogies vocales peuvent révéler la perception d’une caractéristique timbrale associée à ces phonèmes.
On observe l’usage de telles analogies dans les échanges entre artisans et instrumentistes dans certains ateliers de lutherie. Lors de cette communication, je présenterai les résultats d’une enquête menée auprès de luthiers et instrumentistes du quatuor à cordes visant à évaluer la prévalence et l’efficacité de l’usage, dans leur discours, de ces analogies vocales. Cette enquête a été menée à l’aide d’un questionnaire en ligne auprès de 30 luthiers et 30 instrumentistes du quatuor.
L'analyse des réponses permet d'identifier différents types de perceptions et différentes façons de les exprimer, notamment en rapprochant certains phonèmes de champs sémantiques utilisés pour les décrire aussi bien que pour décrire des sons instrumentaux. Ces liens, qui peuvent s'expliquer par certains principes acoustiques, restent ténus. Nous discuterons de leur efficience et de leur exactitude.
Le rôle des relations parasociales dans le pouvoir persuasif de la narration des artistes musicaux
The Role of Parasocial Relationships in the Persuasive Power of Musical Artists’ Storytelling
Adrien Simonnot-Lanciaux
HEC Montréal
OICRM
Brand storytelling shapes consumer beliefs and behaviors by transporting audiences into the story’s universe. However, research has focused on corporate brands, overlooking how the human nature of person-brands influences storytelling persuasiveness. It has also neglected their ability to foster parasocial (one-sided) relationships with audiences. With influencer content on the rise, we examine these issues in organized online attention economies (OOAEs) like social media, where short-form content may hinder narrative transportation and reduce storytelling persuasiveness. We address three research questions: Is person-brand storytelling as persuasive as corporate brand storytelling? Is its effect mediated by parasociality? Can it remain effective in OOAE short-form content? Using archival data analysis, natural language processing, and online experiments, our preliminary findings show that storytelling in musicians’ OOAE content correlates with higher parasociality levels in audience responses. Further experiments will test whether parasociality enhances narrative persuasiveness and allow narrative transportation to be bypassed, making person-brand storytelling effective in OOAEs while corporate brand storytelling struggles. This research expands brand storytelling literature by identifying a distinct mechanism for person-brand storytelling, offering valuable insights for digital marketing in the music industry and beyond. Le récit de marque façonne les croyances et les comportements des consommateurs en transportant les publics dans l’univers de l’histoire. Toutefois, la recherche s’est principalement concentrée sur les marques d'entreprise, négligeant comment la nature humaine des marques-personnes influence la force persuasive du storytelling. Elle a également ignoré leur capacité à favoriser des relations parasociales (unilatérales) avec le public. Avec l'essor du contenu produit par les influenceurs, nous examinons ces questions dans le contexte des économies d'attention organisées en ligne (OOAE), telles que les réseaux sociaux, où les formats courts peuvent freiner le transport narratif et réduire la force persuasive du storytelling. Nous abordons trois questions de recherche : le storytelling des marques-personnes est-il aussi persuasif que celui des marques d’entreprise ? Cet effet est-il médiatisé par la parasocialité ? Peut-il rester efficace dans les contenus courts des OOAEs ? En combinant analyse d’archives, traitement automatique du langage naturel et expériences en ligne, nos premiers résultats montrent que le storytelling dans le contenu des musiciens en OOAE est corrélé à un niveau plus élevé de parasocialité dans les réponses du public. De futures expériences testeront si la parasocialité renforce la persuasion narrative et permet de contourner le besoin de transport narratif, rendant ainsi le storytelling des marques-personnes efficace dans les OOAEs, contrairement aux marques d’entreprise. Cette recherche enrichit la littérature sur le storytelling de marque en identifiant un mécanisme distinct pour les marques-personnes, offrant des perspectives précieuses pour le marketing numérique dans l'industrie musicale et au-delà.
HEC Montréal
OICRM
Brand storytelling shapes consumer beliefs and behaviors by transporting audiences into the story’s universe. However, research has focused on corporate brands, overlooking how the human nature of person-brands influences storytelling persuasiveness. It has also neglected their ability to foster parasocial (one-sided) relationships with audiences. With influencer content on the rise, we examine these issues in organized online attention economies (OOAEs) like social media, where short-form content may hinder narrative transportation and reduce storytelling persuasiveness. We address three research questions: Is person-brand storytelling as persuasive as corporate brand storytelling? Is its effect mediated by parasociality? Can it remain effective in OOAE short-form content? Using archival data analysis, natural language processing, and online experiments, our preliminary findings show that storytelling in musicians’ OOAE content correlates with higher parasociality levels in audience responses. Further experiments will test whether parasociality enhances narrative persuasiveness and allow narrative transportation to be bypassed, making person-brand storytelling effective in OOAEs while corporate brand storytelling struggles. This research expands brand storytelling literature by identifying a distinct mechanism for person-brand storytelling, offering valuable insights for digital marketing in the music industry and beyond. Le récit de marque façonne les croyances et les comportements des consommateurs en transportant les publics dans l’univers de l’histoire. Toutefois, la recherche s’est principalement concentrée sur les marques d'entreprise, négligeant comment la nature humaine des marques-personnes influence la force persuasive du storytelling. Elle a également ignoré leur capacité à favoriser des relations parasociales (unilatérales) avec le public. Avec l'essor du contenu produit par les influenceurs, nous examinons ces questions dans le contexte des économies d'attention organisées en ligne (OOAE), telles que les réseaux sociaux, où les formats courts peuvent freiner le transport narratif et réduire la force persuasive du storytelling. Nous abordons trois questions de recherche : le storytelling des marques-personnes est-il aussi persuasif que celui des marques d’entreprise ? Cet effet est-il médiatisé par la parasocialité ? Peut-il rester efficace dans les contenus courts des OOAEs ? En combinant analyse d’archives, traitement automatique du langage naturel et expériences en ligne, nos premiers résultats montrent que le storytelling dans le contenu des musiciens en OOAE est corrélé à un niveau plus élevé de parasocialité dans les réponses du public. De futures expériences testeront si la parasocialité renforce la persuasion narrative et permet de contourner le besoin de transport narratif, rendant ainsi le storytelling des marques-personnes efficace dans les OOAEs, contrairement aux marques d’entreprise. Cette recherche enrichit la littérature sur le storytelling de marque en identifiant un mécanisme distinct pour les marques-personnes, offrant des perspectives précieuses pour le marketing numérique dans l'industrie musicale et au-delà.
Matérialité du sonore : le rôle des dispositifs numériques dans l'exposition des musiques de tradition orale
Materiality of Sound: The Role of Digital Devices in Showcasing Oral Music Traditions
Maony Fourneau
Université de Montréal
OICRM
Materiality is considered fundamental in the definition of the exhibition. However, when it comes to exhibiting music, museums face a paradox. In order to reconcile the need for materiality and the immaterial nature of sound, curators use the object as a representation of music. The insertion of the music itself into the exhibition is however essential to the visitor experience in order to make it whole. To do this, digital devices have a major role. They allow the listening of music and the interactivity between it and the publics. I therefore propose to argue first of all the equal importance of materiality and immateriality in music exhibitions and more particularly of non-Western musics of oral tradition. Then, I will discuss the place of digital devices in this search for balance and in the link that they allow to create between a society producing music and the publics of the exhibition. La matérialité est considérée comme fondamentale dans la définition de l'exposition. Cependant, lorsqu'il s'agit d'exposer la musique, les musées font face à un paradoxe. Afin de concilier la nécessité d'une matérialité et la nature immatérielle du son, les commissaires utilisent l'objet comme une représentation de la musique. L'insertion de la musique elle-même dans l’exposition est toutefois indispensable à l'expérience de visite afin de la rendre complète. Pour ce faire, les dispositifs numériques ont un grand rôle. Ils permettent en effet l’écoute des musiques et l’interactivité entre celles-ci et les publics. Je propose donc d'argumenter dans un premier temps l'importance égale de la matérialité et de l'immatérialité dans les expositions de musiques et plus particulièrement des musiques non occidentales de tradition orale. Ensuite, je discuterai de la place des dispositifs numériques dans cette recherche d’équilibre et dans le lien qu’ils permettent de créer entre une société productrice d’une musique et les publics de l’exposition.
Université de Montréal
OICRM
Materiality is considered fundamental in the definition of the exhibition. However, when it comes to exhibiting music, museums face a paradox. In order to reconcile the need for materiality and the immaterial nature of sound, curators use the object as a representation of music. The insertion of the music itself into the exhibition is however essential to the visitor experience in order to make it whole. To do this, digital devices have a major role. They allow the listening of music and the interactivity between it and the publics. I therefore propose to argue first of all the equal importance of materiality and immateriality in music exhibitions and more particularly of non-Western musics of oral tradition. Then, I will discuss the place of digital devices in this search for balance and in the link that they allow to create between a society producing music and the publics of the exhibition. La matérialité est considérée comme fondamentale dans la définition de l'exposition. Cependant, lorsqu'il s'agit d'exposer la musique, les musées font face à un paradoxe. Afin de concilier la nécessité d'une matérialité et la nature immatérielle du son, les commissaires utilisent l'objet comme une représentation de la musique. L'insertion de la musique elle-même dans l’exposition est toutefois indispensable à l'expérience de visite afin de la rendre complète. Pour ce faire, les dispositifs numériques ont un grand rôle. Ils permettent en effet l’écoute des musiques et l’interactivité entre celles-ci et les publics. Je propose donc d'argumenter dans un premier temps l'importance égale de la matérialité et de l'immatérialité dans les expositions de musiques et plus particulièrement des musiques non occidentales de tradition orale. Ensuite, je discuterai de la place des dispositifs numériques dans cette recherche d’équilibre et dans le lien qu’ils permettent de créer entre une société productrice d’une musique et les publics de l’exposition.
Le Concours Eurovision de la chanson : Une mise en scène de la diplomatie culturelle… ou de la propagande ?
The Eurovision Song Contest : Staging Cultural Diplomacy… or Propaganda?
Simone Calvé
Université de Montréal
OICRM
The Eurovision Song Contest (ESC), an annual television event broadcast worldwide, is renowned as one of Europe’s most watched programs. Despite its claim of being politically neutral, scholars view it as an ideal playground for cultural diplomacy (Carniel, 2019; Vuletic, 2018). In the context of the ESC, the concept of « diplomacy » can be divided in two categories : to begin, it refers to the relationship between different actors, such as those between nations, or even within a single country (Şahin, 2018). It also refers to the tactics used by different countries to enhance their reputation, such as nation-branding (Carniel, 2019). However, could these practices be considered propaganda instead of diplomacy? In this presentation, I argue that the commonly studied “diplomatic strategies” at the ESC could indeed be characterized as forms of propaganda. To support my argument, I will use Jacques Ellul’s theory of propaganda (1990) as a framework to analyze examples of practices described as “diplomatic” by Eurovision researchers Jess Carniel (2019) and Lisanne Wilken (2019). This approach will enable me to show that these practices can be considered propaganda. Le Concours Eurovision de la chanson est une émission de télévision diffusée à l’échelle mondiale qui figure parmi les programmes les plus regardés en Europe. Bien que le Concours se dise exempt de considérations politiques, des chercheurs le considèrent comme un terrain de jeu idéal pour la diplomatie culturelle(Carniel, 2019; Vuletic, 2018). Dans ce contexte, le terme « diplomatie » peut être envisagé sous deux angles : il peut désigner les relations entre différents acteurs, étatiques ou non, entre différents États ou entre acteurs au sein d’un même État (Şahin, 2018); il peut aussi désigner les stratégies employées par les différents États afin d’améliorer l’image de leur pays, voire de le promouvoir comme un produit (nation-branding)(Carniel, 2019). Peut-on considérer ces pratiques comme de la propagande, et non de la diplomatie? Dans cette communication, je souhaite montrer que certaines pratiques qualifiées de diplomatie peuvent être considérées comme des pratiques de propagande. Pour ce faire, j'analyserai des exemples de pratiques identifiées comme « diplomatiques » par Jess Carniel (2019) et Lisanne Wilken (2019) et les rapporter à la théorie de la propagande de Jacques Ellul (1990), que j’utiliserai comme cadre de référence pour montrer qu’elles relèvent bien de la propagande.
Université de Montréal
OICRM
The Eurovision Song Contest (ESC), an annual television event broadcast worldwide, is renowned as one of Europe’s most watched programs. Despite its claim of being politically neutral, scholars view it as an ideal playground for cultural diplomacy (Carniel, 2019; Vuletic, 2018). In the context of the ESC, the concept of « diplomacy » can be divided in two categories : to begin, it refers to the relationship between different actors, such as those between nations, or even within a single country (Şahin, 2018). It also refers to the tactics used by different countries to enhance their reputation, such as nation-branding (Carniel, 2019). However, could these practices be considered propaganda instead of diplomacy? In this presentation, I argue that the commonly studied “diplomatic strategies” at the ESC could indeed be characterized as forms of propaganda. To support my argument, I will use Jacques Ellul’s theory of propaganda (1990) as a framework to analyze examples of practices described as “diplomatic” by Eurovision researchers Jess Carniel (2019) and Lisanne Wilken (2019). This approach will enable me to show that these practices can be considered propaganda. Le Concours Eurovision de la chanson est une émission de télévision diffusée à l’échelle mondiale qui figure parmi les programmes les plus regardés en Europe. Bien que le Concours se dise exempt de considérations politiques, des chercheurs le considèrent comme un terrain de jeu idéal pour la diplomatie culturelle(Carniel, 2019; Vuletic, 2018). Dans ce contexte, le terme « diplomatie » peut être envisagé sous deux angles : il peut désigner les relations entre différents acteurs, étatiques ou non, entre différents États ou entre acteurs au sein d’un même État (Şahin, 2018); il peut aussi désigner les stratégies employées par les différents États afin d’améliorer l’image de leur pays, voire de le promouvoir comme un produit (nation-branding)(Carniel, 2019). Peut-on considérer ces pratiques comme de la propagande, et non de la diplomatie? Dans cette communication, je souhaite montrer que certaines pratiques qualifiées de diplomatie peuvent être considérées comme des pratiques de propagande. Pour ce faire, j'analyserai des exemples de pratiques identifiées comme « diplomatiques » par Jess Carniel (2019) et Lisanne Wilken (2019) et les rapporter à la théorie de la propagande de Jacques Ellul (1990), que j’utiliserai comme cadre de référence pour montrer qu’elles relèvent bien de la propagande.
Exhumer et identifier un minimalisme typiquement canadien : l’Université York, creuset d’une mouvance enfouie (1970-1990)
Exhuming and Identifying a Distinctly Canadian Minimalism: York University, Crucible of a Buried Movement (1970-1990)
Nicolas Jobin
Université de Montréal
OICRM
Although minimalism has now found its place in the history of Western classical music, it never truly took root in Canada, partly due to a near-impermeability to American influences in the 1960s. However, in the 1970s, David Rosenboom and James Tenney, key figures of New York’s experimental scene, introduced students at York University to this aesthetic. A review of these composers’ trajectories reveals clear traces of this influence.
Methodology
This research compiles the genetic corpus of this period and analyzes the mechanisms of epistemic erasure that marginalized these practices. The study will involve:
We aim to demonstrate that York University was a neglected hub of Canadian minimalism and that its erasure resulted from institutional dynamics. This study could help rehabilitate forgotten composers and pave the way for a rediscovery of post-minimalist and transcultural currents in Canada. Bien que le minimalisme ait aujourd’hui sa place dans l’histoire de la musique classique occidentale, il n’a jamais véritablement émergé au Canada, en partie en raison d’une quasi-imperméabilité aux influences américaines des années 1960. Toutefois, dans les années 1970, l’Université York voit défiler deux figures majeures de la scène expérimentale new-yorkaise, David Rosenboom et James Tenney, exposant leurs étudiants à cette esthétique. Une recension des trajectoires de ces compositeur.ices révèle des influences manifestes.
Méthodologie :
Cette recherche agrège le corpus génétique de cette période et analyse les mécanismes d’effacement épistémique ayant marginalisé ces pratiques. Nous entreprendrons :
Nous visons à démontrer que l’Université York a été un foyer méconnu du minimalisme canadien et que son effacement relève de dynamiques institutionnelles. Cette étude pourrait réhabiliter des compositeurs et ouvrir la voie à une redécouverte des courants post-minimalistes et transculturels canadiens.
Université de Montréal
OICRM
Although minimalism has now found its place in the history of Western classical music, it never truly took root in Canada, partly due to a near-impermeability to American influences in the 1960s. However, in the 1970s, David Rosenboom and James Tenney, key figures of New York’s experimental scene, introduced students at York University to this aesthetic. A review of these composers’ trajectories reveals clear traces of this influence.
Methodology
This research compiles the genetic corpus of this period and analyzes the mechanisms of epistemic erasure that marginalized these practices. The study will involve:
- A comparative analysis of the works and philosophical foundations of minimalism;
- Archival research (York, Buffalo, Illinois);
- A series of interviews with key witnesses;
- A sociomusicological inquiry into power structures within the Canadian musical landscape.
We aim to demonstrate that York University was a neglected hub of Canadian minimalism and that its erasure resulted from institutional dynamics. This study could help rehabilitate forgotten composers and pave the way for a rediscovery of post-minimalist and transcultural currents in Canada. Bien que le minimalisme ait aujourd’hui sa place dans l’histoire de la musique classique occidentale, il n’a jamais véritablement émergé au Canada, en partie en raison d’une quasi-imperméabilité aux influences américaines des années 1960. Toutefois, dans les années 1970, l’Université York voit défiler deux figures majeures de la scène expérimentale new-yorkaise, David Rosenboom et James Tenney, exposant leurs étudiants à cette esthétique. Une recension des trajectoires de ces compositeur.ices révèle des influences manifestes.
Méthodologie :
Cette recherche agrège le corpus génétique de cette période et analyse les mécanismes d’effacement épistémique ayant marginalisé ces pratiques. Nous entreprendrons :
- Une analyse comparative des œuvres et concepts philosophiques du minimalisme;
- Une consultation d’archives (York, Buffalo, Illinois);
- Une série d’entretiens avec des témoins-clés;
- Une enquête sociomusicologique sur les rapports de pouvoir dans le paysage musical canadien.
Nous visons à démontrer que l’Université York a été un foyer méconnu du minimalisme canadien et que son effacement relève de dynamiques institutionnelles. Cette étude pourrait réhabiliter des compositeurs et ouvrir la voie à une redécouverte des courants post-minimalistes et transculturels canadiens.
Charles Koechlin critique musical : analyse génétique d'une critique inédite du Sacre du printemps
Charles Koechlin as a Music Critic: Genetic Analysis of an Unpublished Review of The Rite of Spring
Mathilde Veilleux
Université de Montréal
OICRM
The writings of the composer Charles Koechlin (1867-1950), on both aesthetic and theoretical subjects, have been the subject of several musicological studies. His music criticism, on the other hand, has remained in the shadows despite the wealth of archives concerning it. The aim of this paper is therefore to show what the study of this corpus can tell us not only about Koechlin's activity as a critic, but also about the discipline of music criticism as it was practised in the early twentieth century.
Drawing on the methods of genetic editing (critique génétique), I will explore the process of reflection and writing of an unpublished review by Koechlin of Stravinsky's Rite of Spring in order to compare the composer's practice with the ideas he expressed on this subject in a confrontation with the critic Boris de Schloezer through the press in 1927. The aim is to see whether his ideas correspond to his own practice and experiences.
This study will reveal Koechlin's ideas about a work whose creation has gone down in history, while helping to solidify the foundations of a new approach to music criticism. Les écrits du compositeur Charles Koechlin (1867-1950), autant sur des sujets esthétiques que théoriques, ont fait l’objet de plusieurs études musicologiques. Ses critiques musicales, quant à elles, sont toutefois demeurées dans l’ombre malgré la richesse du corpus d’archives les concernant. Cette communication a donc pour but de montrer ce que l’étude de ce corpus peut nous apprendre non seulement sur l’activité de critique exercée par Koechlin, mais aussi sur la discipline de la critique musicale telle qu’elle pratiquée au début du XXe siècle plus largement.
En m’inspirant des méthodes des études de génétique textuelle littéraire (aussi appelée critique génétique), j’explorerai le processus de réflexion et de rédaction d’une critique inédite de Koechlin au sujet du Sacre du Printemps de Stravinsky afin de confronter la pratique du compositeur aux idées qu’il exprimait à ce sujet dans une confrontation avec le critique Boris de Schloezer à travers la presse en 1927. Il s’agira ainsi de voir si ses idées correspondent avec sa propre pratique et ses expériences.
Cette étude permettra de dévoiler les idées de Koechlin au sujet d’une œuvre dont la création est passée à l’histoire tout contribuant à solidifier les bases d’une nouvelle approche de la critique musicale.
Université de Montréal
OICRM
The writings of the composer Charles Koechlin (1867-1950), on both aesthetic and theoretical subjects, have been the subject of several musicological studies. His music criticism, on the other hand, has remained in the shadows despite the wealth of archives concerning it. The aim of this paper is therefore to show what the study of this corpus can tell us not only about Koechlin's activity as a critic, but also about the discipline of music criticism as it was practised in the early twentieth century.
Drawing on the methods of genetic editing (critique génétique), I will explore the process of reflection and writing of an unpublished review by Koechlin of Stravinsky's Rite of Spring in order to compare the composer's practice with the ideas he expressed on this subject in a confrontation with the critic Boris de Schloezer through the press in 1927. The aim is to see whether his ideas correspond to his own practice and experiences.
This study will reveal Koechlin's ideas about a work whose creation has gone down in history, while helping to solidify the foundations of a new approach to music criticism. Les écrits du compositeur Charles Koechlin (1867-1950), autant sur des sujets esthétiques que théoriques, ont fait l’objet de plusieurs études musicologiques. Ses critiques musicales, quant à elles, sont toutefois demeurées dans l’ombre malgré la richesse du corpus d’archives les concernant. Cette communication a donc pour but de montrer ce que l’étude de ce corpus peut nous apprendre non seulement sur l’activité de critique exercée par Koechlin, mais aussi sur la discipline de la critique musicale telle qu’elle pratiquée au début du XXe siècle plus largement.
En m’inspirant des méthodes des études de génétique textuelle littéraire (aussi appelée critique génétique), j’explorerai le processus de réflexion et de rédaction d’une critique inédite de Koechlin au sujet du Sacre du Printemps de Stravinsky afin de confronter la pratique du compositeur aux idées qu’il exprimait à ce sujet dans une confrontation avec le critique Boris de Schloezer à travers la presse en 1927. Il s’agira ainsi de voir si ses idées correspondent avec sa propre pratique et ses expériences.
Cette étude permettra de dévoiler les idées de Koechlin au sujet d’une œuvre dont la création est passée à l’histoire tout contribuant à solidifier les bases d’une nouvelle approche de la critique musicale.
Les effets perceptifs de mouvements à travers le geste musical spatialisé : méthodes compositionnelles immersives pour induire la vection auditive
The perceptual effects of motion through spatialized musical gesture: immersive compositional methods for inducing auditory vection
Noa Kemp, Gabrielle Caux
McGill University
CIRMMT
Vection, or the illusion of self-motion, occurs when a static listener perceives themselves to be in motion despite remaining stationary. While both visual and auditory stimuli can induce the illusion of self-motion, auditory-induced vection is generally weaker. Previous research on auditory vection has predominantly used headphone-based presentations, or speaker arrays with artificial stimuli such as pink noise and Shepard tones. While these stimuli allow for controlled experiments, they lack ecological validity—meaning they do not resemble real-world auditory environments. In this study, we bridge this gap by designing a referential auditory scene, such as an elevator going down, that provides a meaningful context for self-motion perception.
This type of electro-acoustic composition can be referred to as “cinema for the ear”. Using a 37-speaker dome, we manipulate auditory cues, including dynamically spatialized elements, informational cues and vibrations via subwoofers. We aim to analyze whether vection intensity increases as multiple vection-enhancing methods are combined, and whether this effect varies depending on the type of cue. Participants report vection onset, rate the perceived intensity of self-motion, and provide qualitative commentary after each trial. We hypothesize that the ecologically valid auditory scene will induce stronger vection than artificial stimuli, particularly when multiple vection-enhancing methods are combined (additive effect). These findings will contribute to psychoacoustic research on auditory vection and inform artistic approaches for creating immersive auditory motion illusions. La vection (ou “self-motion illusion”) décrit la sensation de déplacement perçu par un auditeur étant statique. Bien que ce phénomène puisse être déclenché par la vision et le son, la vection induite par l’audition reste globalement plus faible. Les études existantes diffusent principalement des stimuli artificiels (tel que des bruits rose, tons de Shepard, etc.) au casque ou sur des réseaux minimalistes de haut-parleurs. Bien que ces stimuli permettent de réaliser des expériences contrôlées, ils manquent de validité écologique - c'est-à-dire qu'ils ne ressemblent pas aux environnements auditifs du monde réel. Pour remédier à cette limite, nous avons conçu une scène auditive référentielle d’un ascenseur qui se dirige vers le bas. Cela fournit un contexte du monde réel pour but d’induire une illusion de mouvement.
Ce type de composition électroacoustique peut être qualifié de « cinéma pour l’oreille ». La composition est réalisé dans d’un dôme de 37 haut-parleurs. Dans celui-ci, nous manipulons différents indices auditifs : des sources sonores en mouvement, des indices contextuels et des vibrations via des subwoofers. Nous cherchons à évaluer leur effet combiné sur l’intensité perçue de la vection, et si cet effet varie en fonction du type d’indice cognitif. Les participants signalent lorsqu’ils ressentent une illusion de mouvement propre, évaluent l’intensité de cette illusion, et rapporte un commentaire qualitatif après chaque essai. Nous émettons l’hypothèse que la scène auditive écologiquement valide induira une vection plus forte que les stimuli artificiels, en particulier lorsque plusieurs méthodes favorisant la vection sont combinées (effet additif). Ces résultats contribueront à la recherche en psychoacoustique sur la vection auditive et guideront les approches artistiques visant à créer des illusions immersives de mouvement par le sonore.
McGill University
CIRMMT
Vection, or the illusion of self-motion, occurs when a static listener perceives themselves to be in motion despite remaining stationary. While both visual and auditory stimuli can induce the illusion of self-motion, auditory-induced vection is generally weaker. Previous research on auditory vection has predominantly used headphone-based presentations, or speaker arrays with artificial stimuli such as pink noise and Shepard tones. While these stimuli allow for controlled experiments, they lack ecological validity—meaning they do not resemble real-world auditory environments. In this study, we bridge this gap by designing a referential auditory scene, such as an elevator going down, that provides a meaningful context for self-motion perception.
This type of electro-acoustic composition can be referred to as “cinema for the ear”. Using a 37-speaker dome, we manipulate auditory cues, including dynamically spatialized elements, informational cues and vibrations via subwoofers. We aim to analyze whether vection intensity increases as multiple vection-enhancing methods are combined, and whether this effect varies depending on the type of cue. Participants report vection onset, rate the perceived intensity of self-motion, and provide qualitative commentary after each trial. We hypothesize that the ecologically valid auditory scene will induce stronger vection than artificial stimuli, particularly when multiple vection-enhancing methods are combined (additive effect). These findings will contribute to psychoacoustic research on auditory vection and inform artistic approaches for creating immersive auditory motion illusions. La vection (ou “self-motion illusion”) décrit la sensation de déplacement perçu par un auditeur étant statique. Bien que ce phénomène puisse être déclenché par la vision et le son, la vection induite par l’audition reste globalement plus faible. Les études existantes diffusent principalement des stimuli artificiels (tel que des bruits rose, tons de Shepard, etc.) au casque ou sur des réseaux minimalistes de haut-parleurs. Bien que ces stimuli permettent de réaliser des expériences contrôlées, ils manquent de validité écologique - c'est-à-dire qu'ils ne ressemblent pas aux environnements auditifs du monde réel. Pour remédier à cette limite, nous avons conçu une scène auditive référentielle d’un ascenseur qui se dirige vers le bas. Cela fournit un contexte du monde réel pour but d’induire une illusion de mouvement.
Ce type de composition électroacoustique peut être qualifié de « cinéma pour l’oreille ». La composition est réalisé dans d’un dôme de 37 haut-parleurs. Dans celui-ci, nous manipulons différents indices auditifs : des sources sonores en mouvement, des indices contextuels et des vibrations via des subwoofers. Nous cherchons à évaluer leur effet combiné sur l’intensité perçue de la vection, et si cet effet varie en fonction du type d’indice cognitif. Les participants signalent lorsqu’ils ressentent une illusion de mouvement propre, évaluent l’intensité de cette illusion, et rapporte un commentaire qualitatif après chaque essai. Nous émettons l’hypothèse que la scène auditive écologiquement valide induira une vection plus forte que les stimuli artificiels, en particulier lorsque plusieurs méthodes favorisant la vection sont combinées (effet additif). Ces résultats contribueront à la recherche en psychoacoustique sur la vection auditive et guideront les approches artistiques visant à créer des illusions immersives de mouvement par le sonore.
Évaluation de l'interrelation entre les caractéristiques acoustiques de l'eTube et l’écoute machine d’un agent musical
Assessing the interrelation between acoustic features of the eTube instrument and an agent’s machine listening
Vincent Cusson, Ying-Ying Zhang
UQÀM
CIRMMT
The eTube is an augmented musical instrument interfaced through a saxophone mouthpiece and a custom controller. It is light, flexible, and directional, requiring a gestural and immersive soundscape to interact with semi-autonomous musical agents. This research investigates how acoustic features of the eTube influence machine listening and the agent’s responsiveness in improvisational contexts.
Research Questions:
Questions de recherche :
UQÀM
CIRMMT
The eTube is an augmented musical instrument interfaced through a saxophone mouthpiece and a custom controller. It is light, flexible, and directional, requiring a gestural and immersive soundscape to interact with semi-autonomous musical agents. This research investigates how acoustic features of the eTube influence machine listening and the agent’s responsiveness in improvisational contexts.
Research Questions:
- How do the acoustic properties of the eTube affect the agent’s perception and decision-making?
- What role does microphone placement and selection play in optimizing real-time interaction?
- How can spatialization and virtual acoustics enhance co-creativity between performer and agent?
- Preliminary findings indicate that microphone choice could impact how the agent interprets human input. Future work will refine these aspects to deepen the musical dialogue.
Questions de recherche :
- Comment les propriétés acoustiques de l’eTube affectent-elles la perception et les décisions de l’agent ?
- Quel rôle joue le choix et le positionnement des microphones dans l’optimisation de l’interaction en temps réel ?
- Comment la spatialisation et l’acoustique virtuelle peuvent-elles renforcer la co-créativité entre le performeur et l’agent ?
- Les premiers résultats indiquent que le choix du microphone pourrait influencer la manière dont l’agent interprète l’entrée humaine. Les recherches futures viseront à affiner ces aspects pour approfondir le dialogue musical.
Développement d’un protocole d’enregistrement pour l’étude du timbre instrumental, exploitant la simulation de réverbération par convolution et la conduction osseuse
Development of a recording protocol for the study of instrumental timbre, utilizing convolution reverb simulation and bone conduction
Ravi Shankar Magno Viana Domingues
Université de Montréal
CIRMMT, OICRM
The oboe's timbre is shaped not only by the instrument and reed-making techniques, such as scraping styles, but also by the performer's cultural sound influences. These cultural variations create unique "accents" in the oboist’s sound. My doctoral research investigates how sound culture affects oboe timbre production and perception. To conduct this study, it is necessary to record and analyze the performances of oboists from different regions of the world. To ensure controlled acoustic conditions in data collection, this study implements a real-time convolution reverb system using bone conduction headphones as part of a recording protocol. This system allows performers to hear themselves as if they were playing in a concert hall while physically being in a dry recording studio. Two contrasting musical excerpts (legato and staccato) are performed by oboists and recorded under two conditions: 1) baseline condition: recording in a neutral studio without reverb; 2) augmented condition: recording in the same studio but with real-time simulation of concert hall acoustics via bone conduction headphones. This study examines the influence of augmented acoustics on oboists' perception, comfort, and performance quality. This innovative approach enhances the ecological validity of timbre research by balancing controlled acoustic conditions with auditory realism, providing insights into auditory perception, motor adaptation, and musicians' interaction with augmented acoustic environments. Le timbre du hautbois est façonné non seulement par l’instrument et les techniques de fabrication des anches, telles que les styles de grattage, mais aussi par les influences culturelles du musicien. Ces variations culturelles génèrent des « accents » distincts dans la sonorité des hautboïstes. Mon projet de recherche doctorale examine l’impact de la culture sonore sur la production et la perception du timbre du hautbois. Pour réaliser ce projet, il est nécessaire de capter et d’enregistrer le jeu instrumental de plusieurs hautboïstes, situés dans différentes régions du monde. Afin d’assurer des conditions acoustiques contrôlées lors de cette collecte des données, nous mettrons en œuvre un système de réverbération par convolution en temps réel simulant l’environnement acoustique d’une salle de concert. Munis d’un casque à conduction osseuse, les interprètes participants à l’étude pourront s’entendre jouer dans un contexte acoustique plus naturel alors qu’ils se trouvent dans un studio d’enregistrement peu réverbérant. Deux extraits musicaux contrastés (legato et staccato) sont joués par des hautboïstes et sont enregistrés dans deux conditions : 1) condition de base : enregistrement dans un studio neutre sans réverbération; 2) condition augmentée : enregistrement dans le même studio mais avec simulation en temps réel de l’acoustique d’une salle de concert via un casque à conduction osseuse. Cette étude analyse l’influence des acoustiques augmentées sur la perception, le confort et la qualité de performance des hautboïstes. Cette approche innovante améliore la validité écologique de la recherche sur le timbre en équilibrant les conditions acoustiques contrôlées et le réalisme sonore, fournissant ainsi des éclairages sur la perception auditive, l’adaptation motrice et l’interaction des musiciens avec des environnements acoustiques augmentés.
Université de Montréal
CIRMMT, OICRM
The oboe's timbre is shaped not only by the instrument and reed-making techniques, such as scraping styles, but also by the performer's cultural sound influences. These cultural variations create unique "accents" in the oboist’s sound. My doctoral research investigates how sound culture affects oboe timbre production and perception. To conduct this study, it is necessary to record and analyze the performances of oboists from different regions of the world. To ensure controlled acoustic conditions in data collection, this study implements a real-time convolution reverb system using bone conduction headphones as part of a recording protocol. This system allows performers to hear themselves as if they were playing in a concert hall while physically being in a dry recording studio. Two contrasting musical excerpts (legato and staccato) are performed by oboists and recorded under two conditions: 1) baseline condition: recording in a neutral studio without reverb; 2) augmented condition: recording in the same studio but with real-time simulation of concert hall acoustics via bone conduction headphones. This study examines the influence of augmented acoustics on oboists' perception, comfort, and performance quality. This innovative approach enhances the ecological validity of timbre research by balancing controlled acoustic conditions with auditory realism, providing insights into auditory perception, motor adaptation, and musicians' interaction with augmented acoustic environments. Le timbre du hautbois est façonné non seulement par l’instrument et les techniques de fabrication des anches, telles que les styles de grattage, mais aussi par les influences culturelles du musicien. Ces variations culturelles génèrent des « accents » distincts dans la sonorité des hautboïstes. Mon projet de recherche doctorale examine l’impact de la culture sonore sur la production et la perception du timbre du hautbois. Pour réaliser ce projet, il est nécessaire de capter et d’enregistrer le jeu instrumental de plusieurs hautboïstes, situés dans différentes régions du monde. Afin d’assurer des conditions acoustiques contrôlées lors de cette collecte des données, nous mettrons en œuvre un système de réverbération par convolution en temps réel simulant l’environnement acoustique d’une salle de concert. Munis d’un casque à conduction osseuse, les interprètes participants à l’étude pourront s’entendre jouer dans un contexte acoustique plus naturel alors qu’ils se trouvent dans un studio d’enregistrement peu réverbérant. Deux extraits musicaux contrastés (legato et staccato) sont joués par des hautboïstes et sont enregistrés dans deux conditions : 1) condition de base : enregistrement dans un studio neutre sans réverbération; 2) condition augmentée : enregistrement dans le même studio mais avec simulation en temps réel de l’acoustique d’une salle de concert via un casque à conduction osseuse. Cette étude analyse l’influence des acoustiques augmentées sur la perception, le confort et la qualité de performance des hautboïstes. Cette approche innovante améliore la validité écologique de la recherche sur le timbre en équilibrant les conditions acoustiques contrôlées et le réalisme sonore, fournissant ainsi des éclairages sur la perception auditive, l’adaptation motrice et l’interaction des musiciens avec des environnements acoustiques augmentés.
BlendIt : un projet basé sur l’IA et la perception pour promouvoir la fusion dans la composition et l’interprétation musicales mixtes
BlendIt: An AI and perception-based project to promote blend in mixed music composition/performance
Jonas Regnier, Yifan Huang, Eto Sun
McGill University
CIRMMT
This research investigates timbre blend between acoustic and electronic sounds in mixed music. We examine how electronic "mediator" sounds enhance perceived blend between acoustic instruments by developing an AI-assisted composition tool and conducting a perceptual study. Our research focuses on two main questions: how electronic sounds facilitate perceptual blend of acoustic timbres, and how AI can automate this process. We developed a semi-supervised neural network model based on the Differentiable Digital Signal Processing (DDSP) framework. This model inputs two acoustic sounds and generates a synthesized sound with controllable parameters for promoting timbral blend. We design a perceptual study of 35 instrument pairs (selected and recorded by our composer to cover various timbre) with their computer-generated mediator sounds as stimuli. Participants will rate the degree of blend across various manipulation strategies of acoustic descriptors. Findings from the perceptual study will validate our hypotheses and be used to refine our model for improved perceptual blending. The model will undergo iterative development through discussions with composer and be used in future compositions. This research will not only advance the understanding of timbre relationships between acoustic and electronic sounds in mixed music, but also provide a practical tool for composers to create electronic mediator sounds for enhanced timbral blend in mixed music compositions. Cette recherche examine le mélange timbral entre sons acoustiques et électroniques dans la musique mixte. Nous étudions comment les sons électroniques "médiateurs" améliorent la fusion perçue entre instruments acoustiques en développant un outil de composition assisté par IA et en menant une étude perceptive. Notre recherche se concentre sur deux questions principales : comment les sons électroniques facilitent la fusion perceptive des timbres acoustiques, et comment l'IA peut automatiser ce processus. Nous avons développé un modèle de réseau neuronal semi-supervisé basé sur le cadre de Traitement du Signal Numérique Différentiable (DDSP). Ce modèle prend en entrée deux sons acoustiques et génère un son synthétisé avec des paramètres contrôlables pour favoriser le mélange timbral. Nous concevons une étude perceptive de 35 paires d'instruments avec leurs sons médiateurs générés par ordinateur comme stimuli. Les participants évalueront le degré de fusion à travers diverses stratégies de manipulation des descripteurs acoustiques. Les résultats de l'étude perceptive valideront nos hypothèses et serviront à affiner notre modèle pour améliorer la fusion perceptive. Le modèle sera développé de manière itérative à travers des discussions avec le compositeur Jonas Regnier et sera utilisé dans de futures compositions. Cette recherche fera non seulement progresser la compréhension des relations timbrales entre sons acoustiques et électroniques dans la musique mixte, mais fournira également un outil pratique permettant aux compositeurs de créer des sons médiateurs électroniques pour améliorer la fusion timbrale dans les compositions de musique mixte.
McGill University
CIRMMT
This research investigates timbre blend between acoustic and electronic sounds in mixed music. We examine how electronic "mediator" sounds enhance perceived blend between acoustic instruments by developing an AI-assisted composition tool and conducting a perceptual study. Our research focuses on two main questions: how electronic sounds facilitate perceptual blend of acoustic timbres, and how AI can automate this process. We developed a semi-supervised neural network model based on the Differentiable Digital Signal Processing (DDSP) framework. This model inputs two acoustic sounds and generates a synthesized sound with controllable parameters for promoting timbral blend. We design a perceptual study of 35 instrument pairs (selected and recorded by our composer to cover various timbre) with their computer-generated mediator sounds as stimuli. Participants will rate the degree of blend across various manipulation strategies of acoustic descriptors. Findings from the perceptual study will validate our hypotheses and be used to refine our model for improved perceptual blending. The model will undergo iterative development through discussions with composer and be used in future compositions. This research will not only advance the understanding of timbre relationships between acoustic and electronic sounds in mixed music, but also provide a practical tool for composers to create electronic mediator sounds for enhanced timbral blend in mixed music compositions. Cette recherche examine le mélange timbral entre sons acoustiques et électroniques dans la musique mixte. Nous étudions comment les sons électroniques "médiateurs" améliorent la fusion perçue entre instruments acoustiques en développant un outil de composition assisté par IA et en menant une étude perceptive. Notre recherche se concentre sur deux questions principales : comment les sons électroniques facilitent la fusion perceptive des timbres acoustiques, et comment l'IA peut automatiser ce processus. Nous avons développé un modèle de réseau neuronal semi-supervisé basé sur le cadre de Traitement du Signal Numérique Différentiable (DDSP). Ce modèle prend en entrée deux sons acoustiques et génère un son synthétisé avec des paramètres contrôlables pour favoriser le mélange timbral. Nous concevons une étude perceptive de 35 paires d'instruments avec leurs sons médiateurs générés par ordinateur comme stimuli. Les participants évalueront le degré de fusion à travers diverses stratégies de manipulation des descripteurs acoustiques. Les résultats de l'étude perceptive valideront nos hypothèses et serviront à affiner notre modèle pour améliorer la fusion perceptive. Le modèle sera développé de manière itérative à travers des discussions avec le compositeur Jonas Regnier et sera utilisé dans de futures compositions. Cette recherche fera non seulement progresser la compréhension des relations timbrales entre sons acoustiques et électroniques dans la musique mixte, mais fournira également un outil pratique permettant aux compositeurs de créer des sons médiateurs électroniques pour améliorer la fusion timbrale dans les compositions de musique mixte.
Une sourdine active pour trompette
An active mute for the trumpet
Miranda Jackson
McGill University
CIRMMT
The purpose of the project is to produce a design for and to investigate the capabilities of an active trumpet mute. A similar device for the trombone was previously designed but not fully evaluated.
The mute would have the size and shape of an ordinary trumpet mute, which is a device used in the bell of the instrument to modify the sound, but would contain microphones and drivers (loudspeakers), along with a microprocessor to control these components, for the purpose of modifying the impedance of the instrument-mute combination. This would enable the mute to simulate the various types of trumpet mutes, and to allow the player to practice the instrument silently without impeding airflow through the instrument.
The project will answer the questions of the best types of components that should be used, the design of the case and the positioning of the components within it, the method that must be employed to alter the impedance, the limit to which the behaviour of the instrument can be altered, the possibility of real-time control, and the effect on the playability.
At the conclusion of the project, I hope to have a prototype that is ready for player testing and further development. Le but du projet est à concevoir et à enquêter les possibilités d’une sourdine active pour la trompette. Un appareil similaire pour le trombone a été conçu mais pas complètement évalué.
La sourdine aurait la taille et la forme d’une sourdine ordinaire, qui est un appareil pour changer le son d’une trompette, mais contiendrait des microphones et des haut-parleurs, et aussi un microprocesseur pour diriger ces composants pour modifier l’impédance. Cela lui permettrait de simuler les différents types des sourdines pour la trompette, et permettrait au joueur de s’entrainer silencieusement sans bloquer le flux d’air à travers l’instrument.
Le projet répondra aux questions des meilleurs types de composants, la conception du boitier, les positions des composants, la méthode a employer pour changer l’impédance, la limite à laquelle le comportement de l’instrument peut être changer, la possibilité de contrôle en temps réel, et l’effet sur la jouabilité.
A la fin du projet, j’espère avoir un prototype prêt à être teste et développé.
McGill University
CIRMMT
The purpose of the project is to produce a design for and to investigate the capabilities of an active trumpet mute. A similar device for the trombone was previously designed but not fully evaluated.
The mute would have the size and shape of an ordinary trumpet mute, which is a device used in the bell of the instrument to modify the sound, but would contain microphones and drivers (loudspeakers), along with a microprocessor to control these components, for the purpose of modifying the impedance of the instrument-mute combination. This would enable the mute to simulate the various types of trumpet mutes, and to allow the player to practice the instrument silently without impeding airflow through the instrument.
The project will answer the questions of the best types of components that should be used, the design of the case and the positioning of the components within it, the method that must be employed to alter the impedance, the limit to which the behaviour of the instrument can be altered, the possibility of real-time control, and the effect on the playability.
At the conclusion of the project, I hope to have a prototype that is ready for player testing and further development. Le but du projet est à concevoir et à enquêter les possibilités d’une sourdine active pour la trompette. Un appareil similaire pour le trombone a été conçu mais pas complètement évalué.
La sourdine aurait la taille et la forme d’une sourdine ordinaire, qui est un appareil pour changer le son d’une trompette, mais contiendrait des microphones et des haut-parleurs, et aussi un microprocesseur pour diriger ces composants pour modifier l’impédance. Cela lui permettrait de simuler les différents types des sourdines pour la trompette, et permettrait au joueur de s’entrainer silencieusement sans bloquer le flux d’air à travers l’instrument.
Le projet répondra aux questions des meilleurs types de composants, la conception du boitier, les positions des composants, la méthode a employer pour changer l’impédance, la limite à laquelle le comportement de l’instrument peut être changer, la possibilité de contrôle en temps réel, et l’effet sur la jouabilité.
A la fin du projet, j’espère avoir un prototype prêt à être teste et développé.
Harmonium Continuum : une interface clavier pour les expressions mélodiques dans la musique hindoustanie utilisant les gestes traditionnels de l’harmonium
Harmonium Continuum: a keyboard interface for melodic expressions in Hindustani music using traditional harmonium gestures
Ninad Puranik, Travis West
McGill University
CIRMMT
The harmonium, a free-reed keyboard instrument that originated in Europe, is now widely used for vocal accompaniment in Hindustani music. However, it lacks the ability to produce the characteristic pitch ornamentations of Hindustani music, presenting several limitations to its use in this form of music. We present our ideas about developing a keyboard interface and mapping scheme for a digital harmonium that enables the performance of continuous pitch ornamentation while preserving the typical harmonium gestures. L'harmonium, un instrument à clavier à anche libre originaire d'Europe, est aujourd'hui largement utilisé pour l'accompagnement vocal de la musique hindoustani. Cependant, il n'a pas la capacité de produire les ornementations de hauteur caractéristiques de la musique hindoustani, ce qui présente plusieurs limites à son utilisation dans cette forme de musique. Nous présentons nos idées sur le développement d'une interface de clavier et d'un schéma de mappage pour un harmonium numérique qui permet la réalisation d'ornementations de hauteur continue tout en préservant les gestes typiques de l'harmonium.
McGill University
CIRMMT
The harmonium, a free-reed keyboard instrument that originated in Europe, is now widely used for vocal accompaniment in Hindustani music. However, it lacks the ability to produce the characteristic pitch ornamentations of Hindustani music, presenting several limitations to its use in this form of music. We present our ideas about developing a keyboard interface and mapping scheme for a digital harmonium that enables the performance of continuous pitch ornamentation while preserving the typical harmonium gestures. L'harmonium, un instrument à clavier à anche libre originaire d'Europe, est aujourd'hui largement utilisé pour l'accompagnement vocal de la musique hindoustani. Cependant, il n'a pas la capacité de produire les ornementations de hauteur caractéristiques de la musique hindoustani, ce qui présente plusieurs limites à son utilisation dans cette forme de musique. Nous présentons nos idées sur le développement d'une interface de clavier et d'un schéma de mappage pour un harmonium numérique qui permet la réalisation d'ornementations de hauteur continue tout en préservant les gestes typiques de l'harmonium.
Production de la parole dans des conditions d’écoute difficiles
Speech Production in Challenging Listening Conditions
Xinyi Zhang
École de technologie supérieure
CIRMMT
Our auditory system plays an important role in monitoring our speech production. When our perception of our voice changes, our production adapts. One well-studied example is the Lombard effect (LE): when speaking in noise, we raise our vocal effort. However, current research of LE fails at generalizing to aspects of communication in noise in real life. In a noisy environment, workers are required to wear hearing protection devices and are more prone to having reduced hearing abilities. Ear occlusion leads to an amplified perception of the bone-and-tissued conducted voice and a reduced perception of the air-conducted voice, while different levels of hearing thresholds function as an overall filter to our voice. To explore the effects of noise, ear occlusion, and hearing threshold and their interactions, we created a speech corpus where forty-nine participants fluent in French or English recorded sentences, picture descriptions and sustained vowels under various conditions of noise and ear occlusion. The hearing thresholds of the participants from 125 Hz to 8000 Hz were measured with pure-tone audiometry, with 19 of the participants having at least one frequency at above 20 dBHL. Key analyses focusing on speech sound pressure level will be presented. Notre système auditif joue un rôle important dans le contrôle de notre production vocale. Lorsque la perception de notre voix change, notre production s’adapte. L’effet Lombard en est un exemple bien étudié : lorsque nous parlons dans le bruit, nous augmentons notre effort vocal. Toutefois, les études actuelles sur l’effet Lombard ne se généralisent pas à certains aspects de la vie réelle. Dans un environnement bruyant, les travailleurs portent des protections auditives et sont plus susceptibles d’avoir des capacités auditives réduites. L’occlusion de l’oreille change la perception de la proportion de la voix conduite par l’os et par l’air, et les niveaux de seuils d’audition fonctionnent comme un filtre global pour notre voix. Pour explorer les effets du bruit, de l’occlusion de l’oreille, du seuil d’audition et de leurs interactions, nous avons créé un corpus où 49 participants parlant couramment le français ou l’anglais ont enregistré différents types de parole dans diverses conditions de bruit et d’occlusion. Leurs seuils auditifs de 125 à 8000 Hz ont été mesurés par audiométrie tonale, avec 19 des participants ayant au moins une fréquence à plus de 20 dBHL. Les principales analyses portant sur le niveau de pression acoustique de la parole seront présentées.
École de technologie supérieure
CIRMMT
Our auditory system plays an important role in monitoring our speech production. When our perception of our voice changes, our production adapts. One well-studied example is the Lombard effect (LE): when speaking in noise, we raise our vocal effort. However, current research of LE fails at generalizing to aspects of communication in noise in real life. In a noisy environment, workers are required to wear hearing protection devices and are more prone to having reduced hearing abilities. Ear occlusion leads to an amplified perception of the bone-and-tissued conducted voice and a reduced perception of the air-conducted voice, while different levels of hearing thresholds function as an overall filter to our voice. To explore the effects of noise, ear occlusion, and hearing threshold and their interactions, we created a speech corpus where forty-nine participants fluent in French or English recorded sentences, picture descriptions and sustained vowels under various conditions of noise and ear occlusion. The hearing thresholds of the participants from 125 Hz to 8000 Hz were measured with pure-tone audiometry, with 19 of the participants having at least one frequency at above 20 dBHL. Key analyses focusing on speech sound pressure level will be presented. Notre système auditif joue un rôle important dans le contrôle de notre production vocale. Lorsque la perception de notre voix change, notre production s’adapte. L’effet Lombard en est un exemple bien étudié : lorsque nous parlons dans le bruit, nous augmentons notre effort vocal. Toutefois, les études actuelles sur l’effet Lombard ne se généralisent pas à certains aspects de la vie réelle. Dans un environnement bruyant, les travailleurs portent des protections auditives et sont plus susceptibles d’avoir des capacités auditives réduites. L’occlusion de l’oreille change la perception de la proportion de la voix conduite par l’os et par l’air, et les niveaux de seuils d’audition fonctionnent comme un filtre global pour notre voix. Pour explorer les effets du bruit, de l’occlusion de l’oreille, du seuil d’audition et de leurs interactions, nous avons créé un corpus où 49 participants parlant couramment le français ou l’anglais ont enregistré différents types de parole dans diverses conditions de bruit et d’occlusion. Leurs seuils auditifs de 125 à 8000 Hz ont été mesurés par audiométrie tonale, avec 19 des participants ayant au moins une fréquence à plus de 20 dBHL. Les principales analyses portant sur le niveau de pression acoustique de la parole seront présentées.