Music
Musique
Nexus
Sabe
Université de Montréal
CIRMMT, OICRM 7'
I envision the final piece as a real-time, fully improvised performance in which I use pedals and a mixer to generate audio feedback. What particularly fascinates me is the vulnerability that comes with improvisation—the idea that there is no absolute control and that each moment is unpredictable. For me, that uncertainty forges a deeper connection with the audience. Not knowing exactly what will happen creates a shared space for exploration and discovery, where listening becomes both collective and active.
The unpredictability of the audio feedback allows me to root myself in an unparalleled authenticity. It’s a process nourished by the unexpected, by moments that defy all expectation. This absence of control is not a limitation but rather a creative catalyst. It enables me to remain fully present, letting sounds come to life organically. There is a connection in this dialogue with the instrument and with the audience—a kind of ongoing conversation that continually weaves and evolves. Ultimately, it is this spontaneity and fluid exchange between performer and spectators that gives the performance its true power. Je vois la pièce finale comme une performance en temps réel, entièrement improvisée, dans laquelle j’utilise des pédales et un mixeur pour créer de la rétroaction sonore. Ce qui m'intéresse particulièrement, c’est cette vulnérabilité qui accompagne l’improvisation : l’idée qu’il n’y a aucun contrôle absolu, et que chaque instant est imprévisible. Pour moi, cette incertitude forge un lien plus intime avec le public. Le fait de ne pas savoir exactement ce qui va se produire crée un terrain commun d’exploration et de découverte, où l’écoute devient partagée et active. L’imprévisibilité de la rétroaction sonore me permet de m'ancrer dans une authenticité incomparable.
C’est un processus qui se nourrit de l’inattendu, de l’instant qui échappe à toute attente. Cette absence de contrôle n’est pas une contrainte, mais bien un levier créatif. C’est ce qui me permet de rester connectée à un moment présent, où les sons prennent vie de manière organique. Il y a une connexion dans ce dialogue avec l’instrument et avec le public, une sorte de conversation qui se tisse et qui évolue sans cesse. En fin de compte, c’est cette spontanéité, cette fluidité entre l’artiste et les spectateurs, qui donne toute sa force à la performance.
Université de Montréal
CIRMMT, OICRM 7'
I envision the final piece as a real-time, fully improvised performance in which I use pedals and a mixer to generate audio feedback. What particularly fascinates me is the vulnerability that comes with improvisation—the idea that there is no absolute control and that each moment is unpredictable. For me, that uncertainty forges a deeper connection with the audience. Not knowing exactly what will happen creates a shared space for exploration and discovery, where listening becomes both collective and active.
The unpredictability of the audio feedback allows me to root myself in an unparalleled authenticity. It’s a process nourished by the unexpected, by moments that defy all expectation. This absence of control is not a limitation but rather a creative catalyst. It enables me to remain fully present, letting sounds come to life organically. There is a connection in this dialogue with the instrument and with the audience—a kind of ongoing conversation that continually weaves and evolves. Ultimately, it is this spontaneity and fluid exchange between performer and spectators that gives the performance its true power. Je vois la pièce finale comme une performance en temps réel, entièrement improvisée, dans laquelle j’utilise des pédales et un mixeur pour créer de la rétroaction sonore. Ce qui m'intéresse particulièrement, c’est cette vulnérabilité qui accompagne l’improvisation : l’idée qu’il n’y a aucun contrôle absolu, et que chaque instant est imprévisible. Pour moi, cette incertitude forge un lien plus intime avec le public. Le fait de ne pas savoir exactement ce qui va se produire crée un terrain commun d’exploration et de découverte, où l’écoute devient partagée et active. L’imprévisibilité de la rétroaction sonore me permet de m'ancrer dans une authenticité incomparable.
C’est un processus qui se nourrit de l’inattendu, de l’instant qui échappe à toute attente. Cette absence de contrôle n’est pas une contrainte, mais bien un levier créatif. C’est ce qui me permet de rester connectée à un moment présent, où les sons prennent vie de manière organique. Il y a une connexion dans ce dialogue avec l’instrument et avec le public, une sorte de conversation qui se tisse et qui évolue sans cesse. En fin de compte, c’est cette spontanéité, cette fluidité entre l’artiste et les spectateurs, qui donne toute sa force à la performance.
Improvisations for Feedback Saxophone
Greg Bruce
McGill University
CIRMMT 8'
Two solo structured improvisations for feedback saxophone. The first, titled Makam, draws inspiration from Turkish music and explores microtonal feedback melodies. The second, ...and back around again, uses feedback as a drone which is altered by circular movements of the body and saxophone. This sonic and bodily drone is combined with saxophone melody and vocalized harmonies. Improvisations such as these provide the foundational musical vocabulary for this new augmented instrument, the hardware and software of which continue to be optimized. This foundational vocabulary will aide both composers and performers to engage with this burgeoning new musical system. Je présenterai deux improvisations solo structurées pour saxophone avec feedback. La première, intitulée Makam, s’inspire de la musique turque et explore des mélodies microtonales en feedback. La seconde, …and back around again, utilise le feedback comme un drone, modulé par des mouvements circulaires du corps et du saxophone. Ce drone sonore et corporel se mêle à une mélodie de saxophone et à des harmonies vocalisées. Ces improvisations constituent le vocabulaire musical fondamental de ce nouvel instrument augmenté, dont le matériel et le logiciel continuent d’être optimisés. Ce vocabulaire de base aidera compositeurs et interprètes à s’approprier ce système musical émergent.
McGill University
CIRMMT 8'
Two solo structured improvisations for feedback saxophone. The first, titled Makam, draws inspiration from Turkish music and explores microtonal feedback melodies. The second, ...and back around again, uses feedback as a drone which is altered by circular movements of the body and saxophone. This sonic and bodily drone is combined with saxophone melody and vocalized harmonies. Improvisations such as these provide the foundational musical vocabulary for this new augmented instrument, the hardware and software of which continue to be optimized. This foundational vocabulary will aide both composers and performers to engage with this burgeoning new musical system. Je présenterai deux improvisations solo structurées pour saxophone avec feedback. La première, intitulée Makam, s’inspire de la musique turque et explore des mélodies microtonales en feedback. La seconde, …and back around again, utilise le feedback comme un drone, modulé par des mouvements circulaires du corps et du saxophone. Ce drone sonore et corporel se mêle à une mélodie de saxophone et à des harmonies vocalisées. Ces improvisations constituent le vocabulaire musical fondamental de ce nouvel instrument augmenté, dont le matériel et le logiciel continuent d’être optimisés. Ce vocabulaire de base aidera compositeurs et interprètes à s’approprier ce système musical émergent.
Entropie
Jonas Regnier
McGill University
CIRMMT 9'50''
Entropy characterizes a state of disorganization and unpredictability in a system. This piece establishes a dichotomy and relationship between continuity, unpredictability, disorganization, and progressive complexification. An austere, noisy weave gradually expands into a more harmonic and spacious acoustic environment in which sounds can move freely. This space then matures and becomes saturated through an unstable accumulation of sound objects. Entropie caractérise un état de désorganisation et d’imprévisibilité d’un système. Cette pièce établit une dichotomie et une relation entre continuité, imprévisibilité, désorganisation et complexification progressive. Un tissage sonore austère et bruitiste se transforme progressivement en un espace acoustique plus harmonique et de grande envergure, où les sons peuvent circuler librement. Cet espace mûrit ensuite et se sature par une accumulation instable d’objets sonores.
McGill University
CIRMMT 9'50''
Entropy characterizes a state of disorganization and unpredictability in a system. This piece establishes a dichotomy and relationship between continuity, unpredictability, disorganization, and progressive complexification. An austere, noisy weave gradually expands into a more harmonic and spacious acoustic environment in which sounds can move freely. This space then matures and becomes saturated through an unstable accumulation of sound objects. Entropie caractérise un état de désorganisation et d’imprévisibilité d’un système. Cette pièce établit une dichotomie et une relation entre continuité, imprévisibilité, désorganisation et complexification progressive. Un tissage sonore austère et bruitiste se transforme progressivement en un espace acoustique plus harmonique et de grande envergure, où les sons peuvent circuler librement. Cet espace mûrit ensuite et se sature par une accumulation instable d’objets sonores.
Piano Sonata No. 1 Op. 50
Christ and the Fishermen
Pietro Freiburger
Université de Montréal
OICRM 9'30''
Contemporary Finnish composer Einojuhani Rautavaara (1928-2016) wrote his Piano Sonata No. 1 Op. 50 in 1969. This work is also the subject of my doctoral dissertation, focusing on the informed performance of contemporary music. This piece exemplifies many of the features of Rautavaara's neo-romantic style, such as the use of tertian, quartal and quintal harmony and the atmospheres and compositional tools reminiscent of Debussy, Scriabin and Bartòk. Le compositeur finlandais contemporain Einojuhani Rautavaara (1928–2016) a écrit sa Sonate pour piano n° 1, op. 50, en 1969. Cette œuvre fait également l’objet de ma thèse de doctorat, axée sur l’interprétation informée de la musique contemporaine. Elle illustre de nombreuses caractéristiques du style néo-romantique de Rautavaara, telles que l’utilisation des harmonies tertiaire, quarte et quinte, ainsi que des atmosphères et des outils compositionnels rappelant Debussy, Scriabin et Bartók.
Université de Montréal
OICRM 9'30''
Contemporary Finnish composer Einojuhani Rautavaara (1928-2016) wrote his Piano Sonata No. 1 Op. 50 in 1969. This work is also the subject of my doctoral dissertation, focusing on the informed performance of contemporary music. This piece exemplifies many of the features of Rautavaara's neo-romantic style, such as the use of tertian, quartal and quintal harmony and the atmospheres and compositional tools reminiscent of Debussy, Scriabin and Bartòk. Le compositeur finlandais contemporain Einojuhani Rautavaara (1928–2016) a écrit sa Sonate pour piano n° 1, op. 50, en 1969. Cette œuvre fait également l’objet de ma thèse de doctorat, axée sur l’interprétation informée de la musique contemporaine. Elle illustre de nombreuses caractéristiques du style néo-romantique de Rautavaara, telles que l’utilisation des harmonies tertiaire, quarte et quinte, ainsi que des atmosphères et des outils compositionnels rappelant Debussy, Scriabin et Bartók.
C’qui s’en vient
Frédéric Roverselli
Université de Montréal
CIRMMT 8'
"C’qui s’en vient" is a piece for guitar and live processing that implements my digital processing scenario composition method. I use a systemic compositional approach in which I create a small technological infrastructure allowing human–machine interactions that are not entirely predictable. The digital processing scenarios and the performance are necessarily interrelated and transformative when they interact. Aesthetically, the piece C’qui s’en vient uses guitar sounds—often distorted, percussive, reminiscent of a noise aesthetic—as its source. The narrative expresses the hyperstimulation, channel surfing, digital discontinuity, and questioning of the future characteristic of our time. I believe this research-creation project particularly aligns with CIRMMT’s Research Axis #4 (Expanded Musical Practices). Transposing tools and real-time processing to the stage brings changes in the roles of composer and performer, instrument-making, and spatial context. From an ecological perspective, the human component does not necessarily play a dominant or leading role. It could be an exploration of a journey, a presence within an ecosystem in formation. C’qui s’en vient est une pièce pour guitare et traitements en direct qui met en œuvre mon procédé de composition par scénario de traitements numériques. J’utilise une approche de composition systémique, dans laquelle je crée une petite infrastructure technologique permettant des interactions humain machine qui ne sont pas complètement prévisibles. Les scénarios de traitement numérique et la performance sont nécessairement interreliés et transformateurs lorsqu’ils sont mis en relation l’un avec l’autre. Esthétiquement, la pièce c’qui s’en vient utilise comme source les sons de la guitare, souvent distortionnée, percussive, proche d’une esthétique bruitiste (noise). Le récit exprime une contemporanéité de l’hyper stimulation, du zapping, de la discontinuité du numérique et un questionnement sur le futur. Je pense que ce projet de recherche-création rejoint particulièrement l’axe de recherche #4 (pratiques musicales élargies) du CIRMMT. La transposition des outils et des traitements temps-réel vers la scène amène des changements dans les positions du compositeur et de l’interprète, de la lutherie et de l’espace. Dans une approche écologique, la composante humaine n’a pas nécessairement un rôle dominant ou de leader. Ce pourrait être une exploration dans un parcours, une présence à l’intérieur d’un écosystème en formation.
Université de Montréal
CIRMMT 8'
"C’qui s’en vient" is a piece for guitar and live processing that implements my digital processing scenario composition method. I use a systemic compositional approach in which I create a small technological infrastructure allowing human–machine interactions that are not entirely predictable. The digital processing scenarios and the performance are necessarily interrelated and transformative when they interact. Aesthetically, the piece C’qui s’en vient uses guitar sounds—often distorted, percussive, reminiscent of a noise aesthetic—as its source. The narrative expresses the hyperstimulation, channel surfing, digital discontinuity, and questioning of the future characteristic of our time. I believe this research-creation project particularly aligns with CIRMMT’s Research Axis #4 (Expanded Musical Practices). Transposing tools and real-time processing to the stage brings changes in the roles of composer and performer, instrument-making, and spatial context. From an ecological perspective, the human component does not necessarily play a dominant or leading role. It could be an exploration of a journey, a presence within an ecosystem in formation. C’qui s’en vient est une pièce pour guitare et traitements en direct qui met en œuvre mon procédé de composition par scénario de traitements numériques. J’utilise une approche de composition systémique, dans laquelle je crée une petite infrastructure technologique permettant des interactions humain machine qui ne sont pas complètement prévisibles. Les scénarios de traitement numérique et la performance sont nécessairement interreliés et transformateurs lorsqu’ils sont mis en relation l’un avec l’autre. Esthétiquement, la pièce c’qui s’en vient utilise comme source les sons de la guitare, souvent distortionnée, percussive, proche d’une esthétique bruitiste (noise). Le récit exprime une contemporanéité de l’hyper stimulation, du zapping, de la discontinuité du numérique et un questionnement sur le futur. Je pense que ce projet de recherche-création rejoint particulièrement l’axe de recherche #4 (pratiques musicales élargies) du CIRMMT. La transposition des outils et des traitements temps-réel vers la scène amène des changements dans les positions du compositeur et de l’interprète, de la lutherie et de l’espace. Dans une approche écologique, la composante humaine n’a pas nécessairement un rôle dominant ou de leader. Ce pourrait être une exploration dans un parcours, une présence à l’intérieur d’un écosystème en formation.
Tambor
Tarcisio Braga
Amazonas State University (UEA)
McGill University
CIRMMT 10'
"Tambor" (drum in Portuguese), has a starting point in freely improvised warm-ups I would do to prepare for specific written snare drum pieces, with many noting that they sounded like compositions. I was motivated then to take these improvisations more seriously. Tambor incorporates Brazilian snare drumming traditions which are grounded in my field research, it also showcases African hand drum influences, treating rimshots as slaps and exploring tonal variations based on stick placement. Tambor originally was an improvised solo snare drum piece. More recently a stereo tape counterpart was added, composed of processed samples from my personal collection of field recordings made during 11 years of living in the Brazilian Amazon rainforest. For this Student Colloquium a new version will feature a quadraphonic spatialized version of the tape. The piece is part of a broader research that investigates how soundscapes—both natural and urban—shape emotional responses to music. Tambor is an immersive performance that integrates the environmental and acoustic properties of specific locations and audience reception into improvisation, allowing the piece to remain open and fluid. This approach enables me to respond in real time to the circumstances, fully embracing unpredictability and the unknown, and navigate its inherent risks. Tambor (tambour en portugais) prend son point de départ dans des échauffements libres improvisés que je pratiquais pour préparer des pièces écrites pour caisse claire, beaucoup notant qu’ils ressemblaient à des compositions. J’ai alors été motivé à prendre ces improvisations plus au sérieux. Tambor intègre les traditions de batterie brésilienne, issues de mes recherches sur le terrain, et met également en valeur des influences de tambours à main africains, traitant les rimshots comme des claques et explorant des variations de timbre selon le placement des baguettes. À l’origine, Tambor était une pièce solo improvisée pour caisse claire. Plus récemment, une partie stéréo sur bande a été ajoutée, composée d’échantillons traités issus de ma collection personnelle d’enregistrements de terrain réalisés au cours de onze ans passés en Amazonie brésilienne. Pour ce colloque étudiant, une nouvelle version comportera une diffusion quadraphonique de la bande. La pièce s’inscrit dans un projet de recherche plus large qui étudie comment les paysages sonores — naturels et urbains — influencent les réponses émotionnelles à la musique. Tambor est une performance immersive qui intègre les propriétés environnementales et acoustiques de lieux spécifiques et la réception du public dans l’improvisation, permettant à la pièce de rester ouverte et fluide. Cette approche me permet de réagir en temps réel aux circonstances, embrassant pleinement l’imprévisibilité et l’inconnu, et de naviguer à travers ses risques inhérents.
Amazonas State University (UEA)
McGill University
CIRMMT 10'
"Tambor" (drum in Portuguese), has a starting point in freely improvised warm-ups I would do to prepare for specific written snare drum pieces, with many noting that they sounded like compositions. I was motivated then to take these improvisations more seriously. Tambor incorporates Brazilian snare drumming traditions which are grounded in my field research, it also showcases African hand drum influences, treating rimshots as slaps and exploring tonal variations based on stick placement. Tambor originally was an improvised solo snare drum piece. More recently a stereo tape counterpart was added, composed of processed samples from my personal collection of field recordings made during 11 years of living in the Brazilian Amazon rainforest. For this Student Colloquium a new version will feature a quadraphonic spatialized version of the tape. The piece is part of a broader research that investigates how soundscapes—both natural and urban—shape emotional responses to music. Tambor is an immersive performance that integrates the environmental and acoustic properties of specific locations and audience reception into improvisation, allowing the piece to remain open and fluid. This approach enables me to respond in real time to the circumstances, fully embracing unpredictability and the unknown, and navigate its inherent risks. Tambor (tambour en portugais) prend son point de départ dans des échauffements libres improvisés que je pratiquais pour préparer des pièces écrites pour caisse claire, beaucoup notant qu’ils ressemblaient à des compositions. J’ai alors été motivé à prendre ces improvisations plus au sérieux. Tambor intègre les traditions de batterie brésilienne, issues de mes recherches sur le terrain, et met également en valeur des influences de tambours à main africains, traitant les rimshots comme des claques et explorant des variations de timbre selon le placement des baguettes. À l’origine, Tambor était une pièce solo improvisée pour caisse claire. Plus récemment, une partie stéréo sur bande a été ajoutée, composée d’échantillons traités issus de ma collection personnelle d’enregistrements de terrain réalisés au cours de onze ans passés en Amazonie brésilienne. Pour ce colloque étudiant, une nouvelle version comportera une diffusion quadraphonique de la bande. La pièce s’inscrit dans un projet de recherche plus large qui étudie comment les paysages sonores — naturels et urbains — influencent les réponses émotionnelles à la musique. Tambor est une performance immersive qui intègre les propriétés environnementales et acoustiques de lieux spécifiques et la réception du public dans l’improvisation, permettant à la pièce de rester ouverte et fluide. Cette approche me permet de réagir en temps réel aux circonstances, embrassant pleinement l’imprévisibilité et l’inconnu, et de naviguer à travers ses risques inhérents.