Lightning Presentations
Présentations éclair
Le rôle de la pratique musicale précoce et collective dans le développement de l’empathie et de la prosocialité
Investigating the role of social context in music practice on empathy
Dorothée Morand-Grondin
Université de Montréal
BRAMS
Music practice is often assumed to enhance empathy, yet empirical evidence remains limited. In fact, our previous study found no significant difference between musicians and nonmusicians in empathy, nor any correlation with practice duration. Studies reporting positive associations have largely focused on children in group settings, where social interaction is a key factor. We hypothesize that music practice does not by itself foster socio-emotional abilities, but only in specific conditions, such as early exposure or group settings. This study aims to investigate whether early-life music practice and the social setting of this practice (group vs. solo) affects empathy. We will recruit 30 musicians and 30 nonmusicians to complete empathy tasks and questionnaires. We hypothesize that greater exposure to group-based music practice (in terms of hours of practice) will be positively associated with empathy and prosociality, and that earlier initiation will strengthen this relationship. In contrast, we hypothesize that solo practice and non-practice will show no such effects, with no difference between solo musicians and nonmusicians in empathy. By isolating key components of music practice, this study will contribute to a more nuanced understanding of the socio-emotional power of music. La pratique musicale est souvent considérée comme favorisant l’empathie et la prosocialité, mais les preuves empiriques demeurent limitées. En effet, notre étude précédente n’a révélé aucune différence significative entre musiciens et non-musiciens en termes d’empathie et de prosocialité, ni aucune corrélation avec la durée de la pratique. Les études rapportant des associations positives se sont principalement concentrées sur les enfants en contexte de groupe, où l’interaction sociale est un facteur clé. Nous émettons l’hypothèse que la pratique musicale, en elle-même, ne favorise pas les compétences socio-émotionnelles, sauf dans certaines conditions spécifiques, telles qu’une exposition précoce ou une pratique en groupe. Cette étude vise à examiner si la pratique musicale précoce et le contexte social de cette pratique (groupe vs solo) influencent l’empathie et la prosocialité. Nous recruterons 30 musiciens et 30 non-musiciens pour compléter des tâches et des questionnaires évaluant l’empathie et la prosocialité. Nous émettons l’hypothèse qu’une plus grande exposition à la pratique musicale en groupe (en termes d’heures de pratique) sera positivement associée à l’empathie et à la prosocialité, et que le début précoce de la pratique renforcera cette relation. En revanche, nous anticipons qu’une pratique musicale en solo, ou l’absence de pratique, n’aura pas de tels effets, et qu’il n’y aura pas de différence entre les musiciens solitaires et les non-musiciens en termes d’empathie et de prosocialité. En isolant les composantes clés de la pratique musicale, cette étude contribuera à une compréhension plus nuancée du pouvoir socio-émotionnel de la musique.
Université de Montréal
BRAMS
Music practice is often assumed to enhance empathy, yet empirical evidence remains limited. In fact, our previous study found no significant difference between musicians and nonmusicians in empathy, nor any correlation with practice duration. Studies reporting positive associations have largely focused on children in group settings, where social interaction is a key factor. We hypothesize that music practice does not by itself foster socio-emotional abilities, but only in specific conditions, such as early exposure or group settings. This study aims to investigate whether early-life music practice and the social setting of this practice (group vs. solo) affects empathy. We will recruit 30 musicians and 30 nonmusicians to complete empathy tasks and questionnaires. We hypothesize that greater exposure to group-based music practice (in terms of hours of practice) will be positively associated with empathy and prosociality, and that earlier initiation will strengthen this relationship. In contrast, we hypothesize that solo practice and non-practice will show no such effects, with no difference between solo musicians and nonmusicians in empathy. By isolating key components of music practice, this study will contribute to a more nuanced understanding of the socio-emotional power of music. La pratique musicale est souvent considérée comme favorisant l’empathie et la prosocialité, mais les preuves empiriques demeurent limitées. En effet, notre étude précédente n’a révélé aucune différence significative entre musiciens et non-musiciens en termes d’empathie et de prosocialité, ni aucune corrélation avec la durée de la pratique. Les études rapportant des associations positives se sont principalement concentrées sur les enfants en contexte de groupe, où l’interaction sociale est un facteur clé. Nous émettons l’hypothèse que la pratique musicale, en elle-même, ne favorise pas les compétences socio-émotionnelles, sauf dans certaines conditions spécifiques, telles qu’une exposition précoce ou une pratique en groupe. Cette étude vise à examiner si la pratique musicale précoce et le contexte social de cette pratique (groupe vs solo) influencent l’empathie et la prosocialité. Nous recruterons 30 musiciens et 30 non-musiciens pour compléter des tâches et des questionnaires évaluant l’empathie et la prosocialité. Nous émettons l’hypothèse qu’une plus grande exposition à la pratique musicale en groupe (en termes d’heures de pratique) sera positivement associée à l’empathie et à la prosocialité, et que le début précoce de la pratique renforcera cette relation. En revanche, nous anticipons qu’une pratique musicale en solo, ou l’absence de pratique, n’aura pas de tels effets, et qu’il n’y aura pas de différence entre les musiciens solitaires et les non-musiciens en termes d’empathie et de prosocialité. En isolant les composantes clés de la pratique musicale, cette étude contribuera à une compréhension plus nuancée du pouvoir socio-émotionnel de la musique.
Musée : une exploration poétique du mélange orchestral et de l’objet sonore
Musée: A Poetic Exploration of Orchestral Blend and Sonic Objects
Alexander Bridger
Université de Montréal
CIRMMT
My mixed piece, Musée, scored for a spatialized chamber ensemble with quadrophonic diffusion, pays homage to several theoretical frameworks from the psychoacoustic and spectromorphological literature. McAdams’ formalizations of “auditory scenes,” as well as his observations on the impact of timbre on our perception of orchestral blend, were important precursors in devising the work's structural and orchestrational strategy. Efforts by Thoreson, Hansen, and Schaeffer to formalize timbre morphologies were also important influences on the elaboration of the instrumental discourse. The work treated these theoretical frameworks as an ideological backdrop in choosing the harmonic, timbral, formal, and dramaturgical materials used in the piece. In short, Musée attempts to poeticize contemporary understandings of the multifaceted construct of orchestral blend as well as the notion of the “sonic object.” Ma pièce mixte, Musée, écrite pour un ensemble de chambre spatialisé avec diffusion quadriphonique, rend hommage à plusieurs cadres théoriques de la littérature psychoacoustique et spectromorphologique. Les formalisations de « scènes auditives » de McAdams, ainsi que ses observations sur l’impact du timbre sur notre perception du mélange orchestral, ont été des inspirations importants dans la conception de la stratégie structurelle et orchestrale de l’œuvre. Les efforts de Thoreson, Hansen et Schaeffer pour formaliser les morphologies du timbre ont également eu une influence importante sur l’élaboration du discours instrumental. L’œuvre a traité ces cadres théoriques comme un context idéologique dans lequel le choix des matériaux harmoniques, timbraux, formels et dramaturgiques utilisés dans la pièce a été fait. En bref, Musée tente de poétiser les compréhensions contemporaines de la construction multiforme du mélange orchestral ainsi que de la notion « d’objet sonore ».
Université de Montréal
CIRMMT
My mixed piece, Musée, scored for a spatialized chamber ensemble with quadrophonic diffusion, pays homage to several theoretical frameworks from the psychoacoustic and spectromorphological literature. McAdams’ formalizations of “auditory scenes,” as well as his observations on the impact of timbre on our perception of orchestral blend, were important precursors in devising the work's structural and orchestrational strategy. Efforts by Thoreson, Hansen, and Schaeffer to formalize timbre morphologies were also important influences on the elaboration of the instrumental discourse. The work treated these theoretical frameworks as an ideological backdrop in choosing the harmonic, timbral, formal, and dramaturgical materials used in the piece. In short, Musée attempts to poeticize contemporary understandings of the multifaceted construct of orchestral blend as well as the notion of the “sonic object.” Ma pièce mixte, Musée, écrite pour un ensemble de chambre spatialisé avec diffusion quadriphonique, rend hommage à plusieurs cadres théoriques de la littérature psychoacoustique et spectromorphologique. Les formalisations de « scènes auditives » de McAdams, ainsi que ses observations sur l’impact du timbre sur notre perception du mélange orchestral, ont été des inspirations importants dans la conception de la stratégie structurelle et orchestrale de l’œuvre. Les efforts de Thoreson, Hansen et Schaeffer pour formaliser les morphologies du timbre ont également eu une influence importante sur l’élaboration du discours instrumental. L’œuvre a traité ces cadres théoriques comme un context idéologique dans lequel le choix des matériaux harmoniques, timbraux, formels et dramaturgiques utilisés dans la pièce a été fait. En bref, Musée tente de poétiser les compréhensions contemporaines de la construction multiforme du mélange orchestral ainsi que de la notion « d’objet sonore ».
Développement d’une augmentation de l’archet non invasive et amovible : une approche interdisciplinaire
Developing a non-invasive and removable bow augmentation: an interdisciplinary approach
Vincent Cusson, Quentin Lauvray
UQÀM
CIRMMT
This research emerged from an attempt to update and use the CIRMMT-owned K-Bow, an augmented bow designed by Keith McMillen. However, due to obsolete software, it was impossible to connect it to a computer. Our project aims to develop a prototype of a new, low-cost augmentation module for a violin bow. Our design prioritizes a non-invasive, removable augmentation and a flexible, modular software interface. A key objective is to eliminate the need for prior training and instead focus on recognizing contemporary violin techniques, including extended techniques. This bow will ultimately be designed for composition, improvisation, and performance. Through an iterative process, we will refine both the technological and compositional aspects, ensuring continuous adaptation and responsiveness. Each development cycle will allow us to test, evaluate, and refine our tools and methods, enhancing their usability and artistic potential. By engaging in hands-on experimentation and performance-based research, we explore how these systems function in real-world artistic contexts. Cette recherche est née d’une tentative de mise à jour et d’utilisation du K-Bow, un archet augmenté conçu par Keith McMillen et détenu par le CIRMMT. Cependant, en raison de l’obsolescence de son logiciel, il était impossible de le connecter à un ordinateur. Notre projet vise à développer un prototype d’un nouveau module d’augmentation à faible coût pour un archet de violon. Notre conception privilégie une augmentation non invasive et amovible ainsi qu’une interface logicielle flexible et modulaire. L’un de nos objectifs principaux est d’éliminer la nécessité d’un apprentissage préalable et de nous concentrer sur la reconnaissance des techniques de jeu contemporaines du violon, y compris les techniques étendues. Cet archet sera conçu pour la composition, l’improvisation et la performance. Par un processus itératif, nous affinerons à la fois les aspects technologiques et compositionnels, garantissant une adaptation et une réactivité continues. Chaque cycle de développement nous permettra de tester, d’évaluer et d’ajuster nos outils et méthodes afin d’améliorer leur utilisabilité et leur potentiel artistique. En nous engageant dans une expérimentation pratique et une recherche basée sur la performance, nous explorons comment ces systèmes peuvent s’intégrer dans des contextes artistiques réels.
UQÀM
CIRMMT
This research emerged from an attempt to update and use the CIRMMT-owned K-Bow, an augmented bow designed by Keith McMillen. However, due to obsolete software, it was impossible to connect it to a computer. Our project aims to develop a prototype of a new, low-cost augmentation module for a violin bow. Our design prioritizes a non-invasive, removable augmentation and a flexible, modular software interface. A key objective is to eliminate the need for prior training and instead focus on recognizing contemporary violin techniques, including extended techniques. This bow will ultimately be designed for composition, improvisation, and performance. Through an iterative process, we will refine both the technological and compositional aspects, ensuring continuous adaptation and responsiveness. Each development cycle will allow us to test, evaluate, and refine our tools and methods, enhancing their usability and artistic potential. By engaging in hands-on experimentation and performance-based research, we explore how these systems function in real-world artistic contexts. Cette recherche est née d’une tentative de mise à jour et d’utilisation du K-Bow, un archet augmenté conçu par Keith McMillen et détenu par le CIRMMT. Cependant, en raison de l’obsolescence de son logiciel, il était impossible de le connecter à un ordinateur. Notre projet vise à développer un prototype d’un nouveau module d’augmentation à faible coût pour un archet de violon. Notre conception privilégie une augmentation non invasive et amovible ainsi qu’une interface logicielle flexible et modulaire. L’un de nos objectifs principaux est d’éliminer la nécessité d’un apprentissage préalable et de nous concentrer sur la reconnaissance des techniques de jeu contemporaines du violon, y compris les techniques étendues. Cet archet sera conçu pour la composition, l’improvisation et la performance. Par un processus itératif, nous affinerons à la fois les aspects technologiques et compositionnels, garantissant une adaptation et une réactivité continues. Chaque cycle de développement nous permettra de tester, d’évaluer et d’ajuster nos outils et méthodes afin d’améliorer leur utilisabilité et leur potentiel artistique. En nous engageant dans une expérimentation pratique et une recherche basée sur la performance, nous explorons comment ces systèmes peuvent s’intégrer dans des contextes artistiques réels.
Composition rhizomatique : développer une approche pour composer de la musique complexe
Rhizomatic Composition: Developing An Approach to Composing Complex Music
Hannah Barnes
McGill University
CIRMMT
I will present a Lightning Presentation based on my ongoing artistic research on polyphony and complexity in my own work and that of other composers. Central research questions include how performers and listeners perceive “complex” music that engages with multiple parameters simultaneously and the presence of multiple musical lines or materials (polyphony in a 21st century context). Drawing on perceptions of musical time and memory from research by Jonathan D. Kramer and philosophers such as Henri Bergson and Gilles Deleuze, I will discuss rhizomatic forms, manifestations of non-linear musical time, and how complexity and polyphony both inform and are informed by these topics.
This artistic research centres the musical experience and does not aim to achieve objective results but to create a multifaceted and open-ended musical experience. I will present excerpts of my own works, including A very short space of time through very short times of space (for prepared percussion and piano) and La Ligne de la rupture (for ensemble), that engage directly with these questions to demonstrate how I engage with complexity and polyphony.
If there are capacity limitations, this presentation could be adapted to a seven-minute oral presentation instead of a Lightning Presentation. Je présenterai un Lightning Presentation basé sur mes recherches artistiques en cours sur la polyphonie et la complexité dans mon propre travail et celui d'autres compositeurs. Les questions centrales de la recherche comprennent la façon dont les interprètes et les auditeurs perçoivent la musique « complexe » qui s'engage avec plusieurs paramètres simultanément et la présence de plusieurs lignes ou matériaux musicaux (polyphonie dans un contexte du 21ème siècle). En m'appuyant sur les perceptions du temps musical et de la mémoire issues des recherches de Jonathan D. Kramer et de philosophes tels que Henri Bergson et Gilles Deleuze, je discuterai des formes rhizomatiques, des manifestations du temps musical non linéaire, et de la manière dont la complexité et la polyphonie informent et sont informées par ces sujets.
Cette recherche artistique est centrée sur l'expérience musicale et ne vise pas à atteindre des résultats objectifs mais à créer une expérience musicale multiforme et ouverte. Je présenterai des extraits de mes propres œuvres, notamment A very short space of time through very short times of space (pour percussion préparée et piano) et La Ligne de la rupture (pour ensemble), qui abordent directement ces questions afin de montrer comment j'aborde la complexité et la polyphonie.
Si la capacité d'accueil est limitée, cette présentation pourrait être adaptée à une présentation orale de sept minutes au lieu d'un Lightning Presentation.
McGill University
CIRMMT
I will present a Lightning Presentation based on my ongoing artistic research on polyphony and complexity in my own work and that of other composers. Central research questions include how performers and listeners perceive “complex” music that engages with multiple parameters simultaneously and the presence of multiple musical lines or materials (polyphony in a 21st century context). Drawing on perceptions of musical time and memory from research by Jonathan D. Kramer and philosophers such as Henri Bergson and Gilles Deleuze, I will discuss rhizomatic forms, manifestations of non-linear musical time, and how complexity and polyphony both inform and are informed by these topics.
This artistic research centres the musical experience and does not aim to achieve objective results but to create a multifaceted and open-ended musical experience. I will present excerpts of my own works, including A very short space of time through very short times of space (for prepared percussion and piano) and La Ligne de la rupture (for ensemble), that engage directly with these questions to demonstrate how I engage with complexity and polyphony.
If there are capacity limitations, this presentation could be adapted to a seven-minute oral presentation instead of a Lightning Presentation. Je présenterai un Lightning Presentation basé sur mes recherches artistiques en cours sur la polyphonie et la complexité dans mon propre travail et celui d'autres compositeurs. Les questions centrales de la recherche comprennent la façon dont les interprètes et les auditeurs perçoivent la musique « complexe » qui s'engage avec plusieurs paramètres simultanément et la présence de plusieurs lignes ou matériaux musicaux (polyphonie dans un contexte du 21ème siècle). En m'appuyant sur les perceptions du temps musical et de la mémoire issues des recherches de Jonathan D. Kramer et de philosophes tels que Henri Bergson et Gilles Deleuze, je discuterai des formes rhizomatiques, des manifestations du temps musical non linéaire, et de la manière dont la complexité et la polyphonie informent et sont informées par ces sujets.
Cette recherche artistique est centrée sur l'expérience musicale et ne vise pas à atteindre des résultats objectifs mais à créer une expérience musicale multiforme et ouverte. Je présenterai des extraits de mes propres œuvres, notamment A very short space of time through very short times of space (pour percussion préparée et piano) et La Ligne de la rupture (pour ensemble), qui abordent directement ces questions afin de montrer comment j'aborde la complexité et la polyphonie.
Si la capacité d'accueil est limitée, cette présentation pourrait être adaptée à une présentation orale de sept minutes au lieu d'un Lightning Presentation.
Réécriture de Ferneyhough : une approche interdisciplinaire de la notation rythmique assistée par ordinateur et axée sur la perception
Rewriting Ferneyhough: An Interdisciplinary Approach to Computer-Assisted, Perception-Driven Rhythmic Notation
Louis-Michel Tougas, Bailey Wantuch
McGill University
CIRMMT
Computer-assisted composition enables the creation of highly intricate rhythmic structures. However, these rhythms often exceed the limits of what performers can accurately execute and what listeners can meaningfully perceive. To address this issue, composer Louis-Michel Tougas and violinist Bailey Wantuch will develop a prototype software library designed to help performers and composers engage with rhythmic complexity in a perceptually grounded way. This tool will be informed by recent research on rhythm and meter cognition. As a case study, we will use the software to re-notate Brian Ferneyhough’s exceptionally demanding solo violin piece, Intermedio alla ciaccona, exploring approaches such as straightforward quantization and proportional notation. The library will also serve as a compositional tool for Tougas, who will create a new solo violin work based on the research findings, to be recorded and performed by Wantuch in a lecture-recital setting. La composition assistée par ordinateur permet de créer des structures rythmiques très complexes. Cependant, ces rythmes dépassent souvent les limites de ce que les interprètes peuvent exécuter avec précision et de ce que les auditeurs peuvent percevoir de manière signifiante. Pour aborder cet enjeu, le compositeur Louis-Michel Tougas et la violoniste Bailey Wantuch développeront un prototype de bibliothèque logicielle conçu pour aider les interprètes et les compositeurs à s'engager dans la complexité rythmique d'une manière perceptivement appuyée. Cet outil s'inspirera des recherches récentes sur la cognition du rythme et du mètre. En guise d'étude de cas, nous utiliserons le logiciel pour re-noter la pièce pour violon solo exceptionnellement exigeante de Brian Ferneyhough, Intermedio alla ciaccona, en explorant des approches telles que la quantification directe et la notation proportionnelle. La bibliothèque servira également d'outil de composition pour Tougas, qui écrira une nouvelle œuvre pour violon solo basée sur les résultats de recherche, qui sera enregistrée et interprétée par Wantuch dans le cadre d'un concert-conférence.
McGill University
CIRMMT
Computer-assisted composition enables the creation of highly intricate rhythmic structures. However, these rhythms often exceed the limits of what performers can accurately execute and what listeners can meaningfully perceive. To address this issue, composer Louis-Michel Tougas and violinist Bailey Wantuch will develop a prototype software library designed to help performers and composers engage with rhythmic complexity in a perceptually grounded way. This tool will be informed by recent research on rhythm and meter cognition. As a case study, we will use the software to re-notate Brian Ferneyhough’s exceptionally demanding solo violin piece, Intermedio alla ciaccona, exploring approaches such as straightforward quantization and proportional notation. The library will also serve as a compositional tool for Tougas, who will create a new solo violin work based on the research findings, to be recorded and performed by Wantuch in a lecture-recital setting. La composition assistée par ordinateur permet de créer des structures rythmiques très complexes. Cependant, ces rythmes dépassent souvent les limites de ce que les interprètes peuvent exécuter avec précision et de ce que les auditeurs peuvent percevoir de manière signifiante. Pour aborder cet enjeu, le compositeur Louis-Michel Tougas et la violoniste Bailey Wantuch développeront un prototype de bibliothèque logicielle conçu pour aider les interprètes et les compositeurs à s'engager dans la complexité rythmique d'une manière perceptivement appuyée. Cet outil s'inspirera des recherches récentes sur la cognition du rythme et du mètre. En guise d'étude de cas, nous utiliserons le logiciel pour re-noter la pièce pour violon solo exceptionnellement exigeante de Brian Ferneyhough, Intermedio alla ciaccona, en explorant des approches telles que la quantification directe et la notation proportionnelle. La bibliothèque servira également d'outil de composition pour Tougas, qui écrira une nouvelle œuvre pour violon solo basée sur les résultats de recherche, qui sera enregistrée et interprétée par Wantuch dans le cadre d'un concert-conférence.
Cartographier le paysage sonore : developpement d’un plugin pour QGIS
Soundscape mapping, Developing a plugin for QGIS
Negar Imani, Segun Samuel
McGill University
CIRMMT
Geographic Information Systems (GIS) has been used to map urban noise. However, these maps fail to capture the complexity of the sonic experience by focusing exclusively on overall sound levels and overlooking the dynamic nature of urban sounds and the presence and absence of different sound sources over time. A sound map considering both the positive and negative sound sources and their impact on soundscapes is lacking.
The current project aims to develop a plug-in for visualizing city soundscape in QGIS incorporating the different land uses (e.g., restaurants and music venues). The land uses and their contribution to soundscapes in terms of negative and positive outcomes will be thoroughly classified e.g. based on their type, capacity, outdoor/ indoor, and functioning times. Moreover, as the soundscape of the city changes over time due to the various functions, the proposed plug-in will consider the temporal aspect as well. The plug-in will facilitate the process of soundscape mapping through space and time by representing land uses and other city features as input alongside temporal scale to generate dynamic sound maps. The plug-in could be used by researchers and practitioners of urban planning to nourish creative solutions to design high-quality sound environments for all, including low-vision communities. Les systèmes d'information géographique (SIG) ont été utilisés pour cartographier le bruit urbain. Cependant, ces cartes ne parviennent pas à saisir la complexité de l'expérience sonore, car elle représentent uniquement des niveaux sonores globaux et ne prennent pas en compte la nature dynamique des sons urbains ou la présence et de différentes sources sonores au fil du temps. Une carte sonore prenant en compte à la fois les sources sonores dont l’impact est positif et négatif et leur contributions aux paysage sonore fait défaut.
Le projet actuel vise à développer un plug-in pour visualiser le paysage sonore de la ville dans QGIS en intégrant les différentes affectation du sol (par exemple, les restaurants, les salles de concert). Les affections du sol et leur contribution aux paysages sonores seront soigneusement classifiées, par exemple en fonction de leur type, de leur capacité, du caractère extérieur ou intérieur et de leurs horaire d’ouverture ou de fonctionnement. De plus, comme le paysage sonore de la ville évolue au fil du temps en raison des diverses fonctions, le plug-in proposé prendra également doit considérer l'aspect temporel. Le plug-in facilitera le processus de cartographie du paysage sonore dans l'espace et le temps en représentant les utilisations du sol et d'autres caractéristiques de la ville en tant qu'entrées parallèlement à l'échelle temporelle pour générer des cartes sonores dynamiques. Le plug-in pourrait être utilisé par les chercheurs et les proffesionel.le.s de l'urbanisme pour envisager des solutions créatives au design d’environnements sonores de haute qualité pour tous, y compris les communautés malvoyantes.
McGill University
CIRMMT
Geographic Information Systems (GIS) has been used to map urban noise. However, these maps fail to capture the complexity of the sonic experience by focusing exclusively on overall sound levels and overlooking the dynamic nature of urban sounds and the presence and absence of different sound sources over time. A sound map considering both the positive and negative sound sources and their impact on soundscapes is lacking.
The current project aims to develop a plug-in for visualizing city soundscape in QGIS incorporating the different land uses (e.g., restaurants and music venues). The land uses and their contribution to soundscapes in terms of negative and positive outcomes will be thoroughly classified e.g. based on their type, capacity, outdoor/ indoor, and functioning times. Moreover, as the soundscape of the city changes over time due to the various functions, the proposed plug-in will consider the temporal aspect as well. The plug-in will facilitate the process of soundscape mapping through space and time by representing land uses and other city features as input alongside temporal scale to generate dynamic sound maps. The plug-in could be used by researchers and practitioners of urban planning to nourish creative solutions to design high-quality sound environments for all, including low-vision communities. Les systèmes d'information géographique (SIG) ont été utilisés pour cartographier le bruit urbain. Cependant, ces cartes ne parviennent pas à saisir la complexité de l'expérience sonore, car elle représentent uniquement des niveaux sonores globaux et ne prennent pas en compte la nature dynamique des sons urbains ou la présence et de différentes sources sonores au fil du temps. Une carte sonore prenant en compte à la fois les sources sonores dont l’impact est positif et négatif et leur contributions aux paysage sonore fait défaut.
Le projet actuel vise à développer un plug-in pour visualiser le paysage sonore de la ville dans QGIS en intégrant les différentes affectation du sol (par exemple, les restaurants, les salles de concert). Les affections du sol et leur contribution aux paysages sonores seront soigneusement classifiées, par exemple en fonction de leur type, de leur capacité, du caractère extérieur ou intérieur et de leurs horaire d’ouverture ou de fonctionnement. De plus, comme le paysage sonore de la ville évolue au fil du temps en raison des diverses fonctions, le plug-in proposé prendra également doit considérer l'aspect temporel. Le plug-in facilitera le processus de cartographie du paysage sonore dans l'espace et le temps en représentant les utilisations du sol et d'autres caractéristiques de la ville en tant qu'entrées parallèlement à l'échelle temporelle pour générer des cartes sonores dynamiques. Le plug-in pourrait être utilisé par les chercheurs et les proffesionel.le.s de l'urbanisme pour envisager des solutions créatives au design d’environnements sonores de haute qualité pour tous, y compris les communautés malvoyantes.
CantusPlay : Une interface interactive pour la pratique du contrepoint improvisé de la Renaissance
CantusPlay: An Interactive Singing Interface for Practicing Improvised Renaissance Counterpoint
Ziyue Piao, Hanwen Zhang
McGill University
CIRMMT
Renaissance counterpoint is traditionally taught through written exercises, but real-time singing practice—historically essential—is often missing. CantusPlay fills this gap by providing an interactive tool where students sing counterpoint improvisations against a cantus firmus and receive immediate feedback.
The app presents a chant melody via MIDI playback, prompting users to sing a counterpoint line. Using pitch detection (CREPE), it transcribes performances into notation and evaluates adherence to Renaissance counterpoint rules (based on Prof. Peter Schubert’s guidelines). Users can review errors and refine their skills. The system integrates authentic Medieval chants from the Cantus Database, ensuring historical accuracy.
Over the next year, we will develop the core system, refine the interface through co-design workshops with students and faculty, and conduct a user study to assess usability and impact. This project merges music theory, music information research, and interactive system design, aligning with CIRMMT’s mission. By supporting independent practice with real-time analysis, CantusPlay modernizes Renaissance counterpoint education and expands access to interactive, gamified learning tools. Le contrepoint de la Renaissance est généralement enseigné par des exercices écrits, mais la pratique vocale en temps réel—essentielle historiquement—est souvent absente. CantusPlay comble ce manque en offrant un outil interactif où les étudiants improvisent un contrepoint contre un cantus firmus et reçoivent un retour immédiat.
L’application diffuse une mélodie grégorienne via MIDI et invite l’utilisateur à chanter une ligne en contrepoint. Grâce à la détection de hauteur (CREPE), elle transcrit la performance en notation musicale et l’évalue selon les règles du contrepoint de la Renaissance (basées sur les principes du Prof. Peter Schubert). Les utilisateurs peuvent analyser leurs erreurs et affiner leur pratique. Le système intègre des chants médiévaux authentiques du Cantus Database.
L’année prochaine, nous développerons le système, affinerons l’interface avec des ateliers de co-conception et mènerons une étude utilisateur. Ce projet croise théorie musicale, recherche en musicologie computationnelle et conception d’interfaces interactives, en accord avec la mission du CIRMMT. En soutenant la pratique autonome avec une analyse en temps réel, CantusPlay modernise l’apprentissage du contrepoint de la Renaissance et élargit l’accès aux outils pédagogiques interactifs.
McGill University
CIRMMT
Renaissance counterpoint is traditionally taught through written exercises, but real-time singing practice—historically essential—is often missing. CantusPlay fills this gap by providing an interactive tool where students sing counterpoint improvisations against a cantus firmus and receive immediate feedback.
The app presents a chant melody via MIDI playback, prompting users to sing a counterpoint line. Using pitch detection (CREPE), it transcribes performances into notation and evaluates adherence to Renaissance counterpoint rules (based on Prof. Peter Schubert’s guidelines). Users can review errors and refine their skills. The system integrates authentic Medieval chants from the Cantus Database, ensuring historical accuracy.
Over the next year, we will develop the core system, refine the interface through co-design workshops with students and faculty, and conduct a user study to assess usability and impact. This project merges music theory, music information research, and interactive system design, aligning with CIRMMT’s mission. By supporting independent practice with real-time analysis, CantusPlay modernizes Renaissance counterpoint education and expands access to interactive, gamified learning tools. Le contrepoint de la Renaissance est généralement enseigné par des exercices écrits, mais la pratique vocale en temps réel—essentielle historiquement—est souvent absente. CantusPlay comble ce manque en offrant un outil interactif où les étudiants improvisent un contrepoint contre un cantus firmus et reçoivent un retour immédiat.
L’application diffuse une mélodie grégorienne via MIDI et invite l’utilisateur à chanter une ligne en contrepoint. Grâce à la détection de hauteur (CREPE), elle transcrit la performance en notation musicale et l’évalue selon les règles du contrepoint de la Renaissance (basées sur les principes du Prof. Peter Schubert). Les utilisateurs peuvent analyser leurs erreurs et affiner leur pratique. Le système intègre des chants médiévaux authentiques du Cantus Database.
L’année prochaine, nous développerons le système, affinerons l’interface avec des ateliers de co-conception et mènerons une étude utilisateur. Ce projet croise théorie musicale, recherche en musicologie computationnelle et conception d’interfaces interactives, en accord avec la mission du CIRMMT. En soutenant la pratique autonome avec une analyse en temps réel, CantusPlay modernise l’apprentissage du contrepoint de la Renaissance et élargit l’accès aux outils pédagogiques interactifs.
In The Groove : dans quelleE mesure la dynamique corporelle influence-t-elle l’expressivité du jeu à la batterie ?
In The Groove: To What Extent do Body Dynamics Affect the Expressiveness of Drum Playing?
Denis Courchesne
UQÀM
OICRM
This research-creation project investigates the effect of body dynamics on musical expressiveness of drumming, using the theoretical lens of enaction (Masciotra, 2023) and an autoethnographic methodology (Brochner and Ellis, 2016) to create a musical performance. Data collection will involve using a logbook, audio-visual recordings during rehearsals and production as well as through autoexplicitation interviews (Vermersch, 2019). The data will be analyzed by listening to the recording sounds and observing the movements (OAM, Harbonnier et al. 2021), then triangulated and theorized using grounded theory (Paillé, 1994). This project aims to explore how the mind and body interact in a given environment to realize a musical intention.
The final result (the creation) will be a performance inspired by Afro-Cuban rhythms performed on the Taos drums, combined with interactive visual projections. Theses elements will illustrate the principles of enaction in real time. This thesis will make both theoretical and artistic contributions. It will offer an enriched understanding of musical practice, while placing the body as an essential mediator between artistic intention and its expression. Ce projet de recherche-création explore l’impact de la dynamique corporelle sur l’expression musicale à la batterie, en adoptant le cadre conceptuel de l’énaction (Masciotra, 2023) dans une démarche auto ethnographique (Brochner et Ellis, 2016) d’élaboration d’une performance musicale. Les données seront recueillies via un journal de bord, la captation audiovisuelle lors des répétitions et de la création ainsi que par des entretiens d’explicitation (Vermersch, 2019). Les données seront analysées à travers l’écoute du résultat sonore, l’observation-analyse du mouvement (OAM, Harbonnier et al. 2021), puis triangulés et théorisés à l’aide de la théorisation ancrée (Paillé, 1994). Ce projet vise à explorer comment l’esprit et le corps interagissent dans un environnement donné pour concrétiser une intention musicale.
La création se matérialisera par une performance inspirée des rythmes afro-cubains réalisés à la batterie Taos, alliant musique, projections visuelles interactives pour illustrer les principes de l’énaction en temps réel. Cette thèse apportera une contribution théorique et artistique en offrant une compréhension enrichie des pratiques musicales, tout en plaçant le corps comme médiateur essentiel entre l’intention artistique et son expression.
UQÀM
OICRM
This research-creation project investigates the effect of body dynamics on musical expressiveness of drumming, using the theoretical lens of enaction (Masciotra, 2023) and an autoethnographic methodology (Brochner and Ellis, 2016) to create a musical performance. Data collection will involve using a logbook, audio-visual recordings during rehearsals and production as well as through autoexplicitation interviews (Vermersch, 2019). The data will be analyzed by listening to the recording sounds and observing the movements (OAM, Harbonnier et al. 2021), then triangulated and theorized using grounded theory (Paillé, 1994). This project aims to explore how the mind and body interact in a given environment to realize a musical intention.
The final result (the creation) will be a performance inspired by Afro-Cuban rhythms performed on the Taos drums, combined with interactive visual projections. Theses elements will illustrate the principles of enaction in real time. This thesis will make both theoretical and artistic contributions. It will offer an enriched understanding of musical practice, while placing the body as an essential mediator between artistic intention and its expression. Ce projet de recherche-création explore l’impact de la dynamique corporelle sur l’expression musicale à la batterie, en adoptant le cadre conceptuel de l’énaction (Masciotra, 2023) dans une démarche auto ethnographique (Brochner et Ellis, 2016) d’élaboration d’une performance musicale. Les données seront recueillies via un journal de bord, la captation audiovisuelle lors des répétitions et de la création ainsi que par des entretiens d’explicitation (Vermersch, 2019). Les données seront analysées à travers l’écoute du résultat sonore, l’observation-analyse du mouvement (OAM, Harbonnier et al. 2021), puis triangulés et théorisés à l’aide de la théorisation ancrée (Paillé, 1994). Ce projet vise à explorer comment l’esprit et le corps interagissent dans un environnement donné pour concrétiser une intention musicale.
La création se matérialisera par une performance inspirée des rythmes afro-cubains réalisés à la batterie Taos, alliant musique, projections visuelles interactives pour illustrer les principes de l’énaction en temps réel. Cette thèse apportera une contribution théorique et artistique en offrant une compréhension enrichie des pratiques musicales, tout en plaçant le corps comme médiateur essentiel entre l’intention artistique et son expression.
La hadra : sur les traces d'un rituel féminin au Maroc
La Hadra : On the Traces of a Women’s Ritual in Morocco
Hortense Dubus
Université de Montréal
OICRM
This study presents the first ethnographic and ethnomusicological description of the Sufi ritual of ḥaḍra as practiced by women in private settings in Morocco, specifically in the regions of Chefchaouen and Essaouira. Our conceptual and analytical framework draws on two aspects of Jean Molino’s semiological tripartition (1970)—the poietic and the neutral (music, stages, the role of participants in the production and transmission of the ritual…)—as well as Gilbert Rouget’s work on trance (1990). The study does not focus on the professionalization of female ḥaḍra ensembles in public performances but rather analyzes ḥaḍra practices specific to women and their role in shaping a musical repertoire synonymous with trance phenomena. The objective is to understand how women, through ḥaḍra, appropriate a religious textual corpus that is well-known and shared across other rituals. Following an initial field study in February, our hypothesis is that ḥaḍra constitutes a space for transmission and artistic freedom within a spiritual environment and a restricted social framework, where women redefine the repertoire and traditional musical practices either as an end in itself and/or as a fundamental foundation for spiritual invocations and trance. Cette entreprise constitue une première description ethnographique et ethnomusicologique du rituel soufi de la ḥaḍra chez les femmes dans la sphère privée au Maroc dans les régions de Chefchaouen et d’Essaouira. Notre cadre conceptuel et analytique renvoie à deux aspects de la tripartition sémiologique de Jean Molino (1970), le poïétique et le neutre (musique, étapes, rôle des participantes dans la production et la transmission du rituel…) ainsi qu’aux travaux de Rouget sur la transe (1990). Il ne s’agit pas d’étudier la professionnalisation des ensembles féminins de ḥaḍra sur les scènes publiques mais d’analyser les pratiques des ḥaḍra spécifiques aux femmes et le rôle de ces dernières dans la constitution d’un répertoire musical synonyme de phénomènes de transe. L'objectif est de comprendre comment les femmes s’approprient en musique, par la ḥaḍra, un corpus textuel religieux connu et commun à d’autres rituels. Après une première enquête de terrain en février, notre hypothèse est que la hadra constitue un espace de transmission et de liberté artistique au sein d’un espace spirituel et d'un cadre social restreint, dans lequel les femmes redéfinissent le répertoire et les pratiques musicales traditionnelles comme une fin en soi et/ou comme socle fondamental aux invocations spirituelles et à la transe.
Université de Montréal
OICRM
This study presents the first ethnographic and ethnomusicological description of the Sufi ritual of ḥaḍra as practiced by women in private settings in Morocco, specifically in the regions of Chefchaouen and Essaouira. Our conceptual and analytical framework draws on two aspects of Jean Molino’s semiological tripartition (1970)—the poietic and the neutral (music, stages, the role of participants in the production and transmission of the ritual…)—as well as Gilbert Rouget’s work on trance (1990). The study does not focus on the professionalization of female ḥaḍra ensembles in public performances but rather analyzes ḥaḍra practices specific to women and their role in shaping a musical repertoire synonymous with trance phenomena. The objective is to understand how women, through ḥaḍra, appropriate a religious textual corpus that is well-known and shared across other rituals. Following an initial field study in February, our hypothesis is that ḥaḍra constitutes a space for transmission and artistic freedom within a spiritual environment and a restricted social framework, where women redefine the repertoire and traditional musical practices either as an end in itself and/or as a fundamental foundation for spiritual invocations and trance. Cette entreprise constitue une première description ethnographique et ethnomusicologique du rituel soufi de la ḥaḍra chez les femmes dans la sphère privée au Maroc dans les régions de Chefchaouen et d’Essaouira. Notre cadre conceptuel et analytique renvoie à deux aspects de la tripartition sémiologique de Jean Molino (1970), le poïétique et le neutre (musique, étapes, rôle des participantes dans la production et la transmission du rituel…) ainsi qu’aux travaux de Rouget sur la transe (1990). Il ne s’agit pas d’étudier la professionnalisation des ensembles féminins de ḥaḍra sur les scènes publiques mais d’analyser les pratiques des ḥaḍra spécifiques aux femmes et le rôle de ces dernières dans la constitution d’un répertoire musical synonyme de phénomènes de transe. L'objectif est de comprendre comment les femmes s’approprient en musique, par la ḥaḍra, un corpus textuel religieux connu et commun à d’autres rituels. Après une première enquête de terrain en février, notre hypothèse est que la hadra constitue un espace de transmission et de liberté artistique au sein d’un espace spirituel et d'un cadre social restreint, dans lequel les femmes redéfinissent le répertoire et les pratiques musicales traditionnelles comme une fin en soi et/ou comme socle fondamental aux invocations spirituelles et à la transe.
Développer une interpretation informée en musique contemporaine : le cas de la Sonate pour piano n. 1 d’Einojuhani Rautavaara
Developing an informed interpretation in contemporary music: the case of Einojuhani Rautavaara’s Piano Sonata n. 1
Pietro Freiburger
Université de Montréal
OICRM
Overview This research-creation project revolves around the study and informed performance of Einojuhani Rautavaara's Piano Sonata No. 1 (1969).
Research problem
This project stems from a main research question: is it possible to develop an informed performance in contemporary music? Other questions have also become important: is it possible to develop a heuristic program of the work? Is it possible to define the existing styles of interpretation of the work? How do you structure performance in the context of such a project?
Methodology
The project will be carried out through different steps. The examination of the existing literature will make it possible to define the main characteristics of his artistic approach and his style of composition. The analysis of the score will lead to an understanding of the work and an interpretative guide. The analysis of the recordings, carried out using Sonic Visualizer, will inform us about the existing performance styles. Finally, instrumental practice will lead to a series of informed performances.
Goals
This project has several goals: first, the discovery of Rautavaara's piano music. Second, the development of an informed interpretation of contemporary piano music. Finally, the recording of Rautavaara's works for solo piano with an international label and the publication of the complete thesis with a university edition. Aperçu Ce projet de recherche-création s’articule autour de l’étude et de l’interprétation informée la Sonate pour piano n° 1 d’Einojuhani Rautavaara (1969).
Problématique
Ce projet découle d’une question de recherche principale : est-il possible de développer une interprétation informée en musique contemporaine ? D’autres questions sont également devenues importantes : est-il possible de développer un programme heuristique de l’œuvre ? Est-il possible de définir les styles d’interprétation existants de l’œuvre ? Comment structurer la performance dans le cadre d’un tel projet ?
Méthodologie
Le projet sera réalisé à travers différentes étapes. L’examen de la littérature existante permettra de définir les principales caractéristiques de sa démarche artistique et de son style de composition. L’analyse de la partition conduira à la compréhension de l’œuvre et à un guide d’interprétation. L’analyse des enregistrements, effectuée à l’aide du logiciel Sonic Visualizer, nous renseignera sur les styles d’interprétation existantes. Enfin, la pratique instrumentale mènera à une série de performances informées.
Objectifs
Ce projet a plusieurs objectifs : d’abord, la découverte de la musique pianistique de Rautavaara. Ensuite, le développement d’une interprétation informée de la musique contemporaine pour piano. Enfin, l’enregistrement des œuvres pour piano solo de Rautavaara avec une étiquette internationale et la publication de la thèse complète avec une édition universitaire.
Université de Montréal
OICRM
Overview This research-creation project revolves around the study and informed performance of Einojuhani Rautavaara's Piano Sonata No. 1 (1969).
Research problem
This project stems from a main research question: is it possible to develop an informed performance in contemporary music? Other questions have also become important: is it possible to develop a heuristic program of the work? Is it possible to define the existing styles of interpretation of the work? How do you structure performance in the context of such a project?
Methodology
The project will be carried out through different steps. The examination of the existing literature will make it possible to define the main characteristics of his artistic approach and his style of composition. The analysis of the score will lead to an understanding of the work and an interpretative guide. The analysis of the recordings, carried out using Sonic Visualizer, will inform us about the existing performance styles. Finally, instrumental practice will lead to a series of informed performances.
Goals
This project has several goals: first, the discovery of Rautavaara's piano music. Second, the development of an informed interpretation of contemporary piano music. Finally, the recording of Rautavaara's works for solo piano with an international label and the publication of the complete thesis with a university edition. Aperçu Ce projet de recherche-création s’articule autour de l’étude et de l’interprétation informée la Sonate pour piano n° 1 d’Einojuhani Rautavaara (1969).
Problématique
Ce projet découle d’une question de recherche principale : est-il possible de développer une interprétation informée en musique contemporaine ? D’autres questions sont également devenues importantes : est-il possible de développer un programme heuristique de l’œuvre ? Est-il possible de définir les styles d’interprétation existants de l’œuvre ? Comment structurer la performance dans le cadre d’un tel projet ?
Méthodologie
Le projet sera réalisé à travers différentes étapes. L’examen de la littérature existante permettra de définir les principales caractéristiques de sa démarche artistique et de son style de composition. L’analyse de la partition conduira à la compréhension de l’œuvre et à un guide d’interprétation. L’analyse des enregistrements, effectuée à l’aide du logiciel Sonic Visualizer, nous renseignera sur les styles d’interprétation existantes. Enfin, la pratique instrumentale mènera à une série de performances informées.
Objectifs
Ce projet a plusieurs objectifs : d’abord, la découverte de la musique pianistique de Rautavaara. Ensuite, le développement d’une interprétation informée de la musique contemporaine pour piano. Enfin, l’enregistrement des œuvres pour piano solo de Rautavaara avec une étiquette internationale et la publication de la thèse complète avec une édition universitaire.
Les chansons du patrimoine libanais dans la mémoire de personnes âgées d'origine libanaise à Montréal
The Role of Lebanese Traditional Songs in the Memories of Elderly Lebanese immigrants in Montreal
Rawand Shamseddine
Université de Montréal
OICRM
This research focuses on intangible patrimonial memory (musical memories) of older adults of Lebanese origin in Montreal. It aims to determine whether the generation under study relies on memorable songs to build or live their identity. We also examine the aesthetic and emotional dimensions through personal/cultural histories, musical preferences, and emotional responses. What songs do they listen to, and why? Are they rooted in their traditions, and do they remain alive within the community? Do they trigger particular emotions or memories? The corpus consists of songs characterized by Badih El Hajj as traditional. We adopt a qualitative method, focusing on the analysis of testimonies collected during semi-structured interviews among 50 individuals aged 60 and over, who immigrated between 1981 and 1990, selected via social networks. We seek to understand: 1) how their musical memory is defined by identifying the main songs that still resonate for them today; 2) the aesthetic and emotional experience of the subjects (references, vocabulary, and comments) when listening to songs from our corpus. This research will attempt to analyze the motivations and events that shape musical memory. It will examine how music preserves a connection to heritage within the diaspora, evokes past memories, and traces the origins of individuals. Cette recherche porte sur la mémoire patrimoniale immatérielle (souvenirs musicaux) de personnes âgées d'origine libanaise à Montréal. Elle vise à déterminer si la génération étudiée s'appuie sur des musiques mémorables pour construire ou vivre son identité. Nous abordons également des aspects esthétiques et émotionnels : les goûts, l'histoire personnelle et culturelle de cette génération. Quelles chansons écoute-t-elle, et pourquoi ? Sont-elles issues de leurs traditions et restent-elles vivantes dans la communauté ? Déclenchent-elles des émotions ou souvenirs particuliers ? Notre corpus est constitué de chansons identifiées comme traditionnelles par Badih El Hajj. Nous adoptons une méthode qualitative, centrée sur l'analyse des témoignages recueillis lors d'enquêtes semi-dirigées menées auprès d'une cinquantaine de personnes âgées de 60 ans et plus, ayant immigré entre 1981 et 1990, choisies via les réseaux sociaux. Nous cherchons à comprendre : 1) comment se définit leur mémoire musicale, en identifiant les principales chansons qui résonnent encore pour eux aujourd'hui ; 2) l'expérience esthétique et émotionnelle des sujets (références, vocabulaire, commentaires) à l'écoute de chansons de notre corpus. Cette recherche tentera ainsi d'analyser les motivations et les évènements qui fondent la mémoire musicale. Elle examinera comment la musique maintient un lien avec le patrimoine au sein de la diaspora, évoque les souvenirs passés et retrace les origines des individus.
Université de Montréal
OICRM
This research focuses on intangible patrimonial memory (musical memories) of older adults of Lebanese origin in Montreal. It aims to determine whether the generation under study relies on memorable songs to build or live their identity. We also examine the aesthetic and emotional dimensions through personal/cultural histories, musical preferences, and emotional responses. What songs do they listen to, and why? Are they rooted in their traditions, and do they remain alive within the community? Do they trigger particular emotions or memories? The corpus consists of songs characterized by Badih El Hajj as traditional. We adopt a qualitative method, focusing on the analysis of testimonies collected during semi-structured interviews among 50 individuals aged 60 and over, who immigrated between 1981 and 1990, selected via social networks. We seek to understand: 1) how their musical memory is defined by identifying the main songs that still resonate for them today; 2) the aesthetic and emotional experience of the subjects (references, vocabulary, and comments) when listening to songs from our corpus. This research will attempt to analyze the motivations and events that shape musical memory. It will examine how music preserves a connection to heritage within the diaspora, evokes past memories, and traces the origins of individuals. Cette recherche porte sur la mémoire patrimoniale immatérielle (souvenirs musicaux) de personnes âgées d'origine libanaise à Montréal. Elle vise à déterminer si la génération étudiée s'appuie sur des musiques mémorables pour construire ou vivre son identité. Nous abordons également des aspects esthétiques et émotionnels : les goûts, l'histoire personnelle et culturelle de cette génération. Quelles chansons écoute-t-elle, et pourquoi ? Sont-elles issues de leurs traditions et restent-elles vivantes dans la communauté ? Déclenchent-elles des émotions ou souvenirs particuliers ? Notre corpus est constitué de chansons identifiées comme traditionnelles par Badih El Hajj. Nous adoptons une méthode qualitative, centrée sur l'analyse des témoignages recueillis lors d'enquêtes semi-dirigées menées auprès d'une cinquantaine de personnes âgées de 60 ans et plus, ayant immigré entre 1981 et 1990, choisies via les réseaux sociaux. Nous cherchons à comprendre : 1) comment se définit leur mémoire musicale, en identifiant les principales chansons qui résonnent encore pour eux aujourd'hui ; 2) l'expérience esthétique et émotionnelle des sujets (références, vocabulaire, commentaires) à l'écoute de chansons de notre corpus. Cette recherche tentera ainsi d'analyser les motivations et les évènements qui fondent la mémoire musicale. Elle examinera comment la musique maintient un lien avec le patrimoine au sein de la diaspora, évoque les souvenirs passés et retrace les origines des individus.
Vers une meilleure compréhension scientifique de l’expérience phénoménologique : caractérisation psychophysiologique détaillée de l’état d’immersion par absorption chez les interprètes musicaux pendant l’exécution musicale
Towards a better scientific understanding of phenomenological experience: detailed psychophysiological characterization of the state of immersion by absorption in music performers during music performanc
Jérémie Martineau, Yassine Mrabet,
Oren Gurevitch
Université de Montréal
CIRMMT, OICRM
This research project aims to observe performers' immersion levels and qualities while performing repertoire specifically designed to focus on immersion through absorption. By comparing empirical and physiological data acquired from performances of standard repertoire, we establish a model to study absorption; musical absorption is commonly experienced by many people and can be relatively easily evoked and controlled.
We will compare detailed psychophysiological measurements from the performers, including heart rate, respiration, eye-tracking, and EEG, with the data collected while performing Jérémie's composition, Meditations on a Tuesday. This piece specifically challenges performance practice by incorporating meditation, particularly mindfulness, which requires intense concentration on one's thoughts, as well as a high degree of virtuosity and stamina. As well as performing, participants will complete the Phenomenology of Consciousness Inventory (PCI) questionnaire.
By starting with an extensive measurement of key psychophysiological variables that relate to absorption, we will obtain a unique dataset that will enable us to begin building a process model of absorption. This unique dataset will improve our understanding of the mind-brain-behavior relationship and shed light on the processes underlying internal mental states in general. Our long-term goal is to improve methods for individuals to position themselves in more desirable mood states. Ce projet de recherche vise à observer les niveaux et les qualités d'immersion des interprètes lors de l'exécution d'un répertoire spécifiquement conçu pour l'immersion par absorption. En comparant les données empiriques et physiologiques acquises lors de l'exécution du répertoire standard, nous établirons un modèle afin d’étudier l'absorption ; l'immersion par absorption est communément vécue par de nombreuses personnes et ce dans de nombreux contextes, elle peut donc être relativement facile à évoquer et à contrôler.
Nous comparerons les mesures psychophysiologiques détaillées des interprètes, notamment la fréquence cardiaque, la respiration, le suivi des yeux et l'EEG avec les données recueillies lors de l'interprétation de l’œuvre de Jérémie, Meditations on a Tuesday. Formellement construite sur un exercice méditatif de pleine conscience, celle-ci pose un défi particulier à la pratique d'interprétation, nécessitant un haut degré d’absorption, d’endurance et de conscience de soi et des autres. Les participants rempliront le questionnaire de l'Inventaire de la phénoménologie de la conscience (ICP).
En mesurant tout d'abord les principales variables psychophysiologiques liées à l'immersion par absorption, nous obtiendrons un ensemble de données unique nous permettant d’établir un modèle procédural d'immersion par absorption. Cet ensemble de données améliorera notre compréhension de la relation entre l'esprit, le cerveau et le comportement et mettra en lumière les processus qui sous-tendent les états mentaux internes en général. Notre objectif à long terme est d'améliorer les méthodes permettant aux individus de se positionner dans des états d'esprit plus souhaitables.
Université de Montréal
CIRMMT, OICRM
This research project aims to observe performers' immersion levels and qualities while performing repertoire specifically designed to focus on immersion through absorption. By comparing empirical and physiological data acquired from performances of standard repertoire, we establish a model to study absorption; musical absorption is commonly experienced by many people and can be relatively easily evoked and controlled.
We will compare detailed psychophysiological measurements from the performers, including heart rate, respiration, eye-tracking, and EEG, with the data collected while performing Jérémie's composition, Meditations on a Tuesday. This piece specifically challenges performance practice by incorporating meditation, particularly mindfulness, which requires intense concentration on one's thoughts, as well as a high degree of virtuosity and stamina. As well as performing, participants will complete the Phenomenology of Consciousness Inventory (PCI) questionnaire.
By starting with an extensive measurement of key psychophysiological variables that relate to absorption, we will obtain a unique dataset that will enable us to begin building a process model of absorption. This unique dataset will improve our understanding of the mind-brain-behavior relationship and shed light on the processes underlying internal mental states in general. Our long-term goal is to improve methods for individuals to position themselves in more desirable mood states. Ce projet de recherche vise à observer les niveaux et les qualités d'immersion des interprètes lors de l'exécution d'un répertoire spécifiquement conçu pour l'immersion par absorption. En comparant les données empiriques et physiologiques acquises lors de l'exécution du répertoire standard, nous établirons un modèle afin d’étudier l'absorption ; l'immersion par absorption est communément vécue par de nombreuses personnes et ce dans de nombreux contextes, elle peut donc être relativement facile à évoquer et à contrôler.
Nous comparerons les mesures psychophysiologiques détaillées des interprètes, notamment la fréquence cardiaque, la respiration, le suivi des yeux et l'EEG avec les données recueillies lors de l'interprétation de l’œuvre de Jérémie, Meditations on a Tuesday. Formellement construite sur un exercice méditatif de pleine conscience, celle-ci pose un défi particulier à la pratique d'interprétation, nécessitant un haut degré d’absorption, d’endurance et de conscience de soi et des autres. Les participants rempliront le questionnaire de l'Inventaire de la phénoménologie de la conscience (ICP).
En mesurant tout d'abord les principales variables psychophysiologiques liées à l'immersion par absorption, nous obtiendrons un ensemble de données unique nous permettant d’établir un modèle procédural d'immersion par absorption. Cet ensemble de données améliorera notre compréhension de la relation entre l'esprit, le cerveau et le comportement et mettra en lumière les processus qui sous-tendent les états mentaux internes en général. Notre objectif à long terme est d'améliorer les méthodes permettant aux individus de se positionner dans des états d'esprit plus souhaitables.